REZENSION: Der Weiße Teufel, RSC, Swan Theatre ✭

Foto: Keith Pattison Der weiße Teufel 16. August 2014 1 Stern

Vor ein paar Wochen hat die RSC einen beispiellosen Schritt unternommen – zumindest in meinem Fall – und ihrem Publikum wegen der bevorstehenden Inszenierung von John Websters The White Devil durch Maria Aberg (derzeit im Swan Theatre) geschrieben und gewarnt:

„Websters brillantes, satirisches und gewalttätiges Stück hat das Publikum historisch immer wieder mit seiner drastischen Reihe von Morden herausgefordert, und während wir in den Proben daran arbeiten, wird klar, dass unsere Produktion da keine Ausnahme sein wird …

Mit Maria Aberg haben wir eine Regisseurin engagiert, die das Stück mit dem starken Wunsch angeht, diesen 400 Jahre alten Text mit einem heutigen Publikum zu verbinden … dazu gehört, das Stück in einem modernen Umfeld anzusiedeln, was das Potenzial hat, die Gewaltszenen für das Publikum unmittelbarer zu machen.

Vor diesem Hintergrund möchte ich Sie darauf hinweisen, dass unsere Produktion Szenen gewalttätiger und sexueller Natur enthalten wird, die einige Zuschauerinnen und Zuschauer als schockierend empfinden könnten. Dem Text wurde kein neues Material hinzugefügt; vielmehr ist es so, dass Websters notwendigerweise gewalttätiges und leidenschaftliches Stück durch die Verlegung in ein zeitgenössisches Setting so unmittelbar und herausfordernd wirkt, wie es auf sein erstes Publikum im Jahr 1612 gewirkt haben muss.“

Um den Barden falsch zu zitieren: Mir scheint, die RSC warnt allzu sehr.

Oder, genauer: Mir scheint, die RSC warnt vor dem Falschen.

Diese moderne, ausgebleichte Aberg-Version von Webster – mit sauberen Oberflächen und von Multimedia-Bildschirmen beherrscht – ertrinkt nicht im Blut, ist nicht von (sexueller oder anderer) Gewalt aufgeladen und ist eher unfassbar unverständlich als wirklich konfrontativ. Ja, es gibt eine Erdrosselung (und an anderer Stelle ein Verdrehen des Halses), die schwer anzusehen ist, aber nichts Düsteres, das schlimmer wäre als Szenen in anderen jüngeren Produktionen auf RSC-Bühnen.

Zu Beginn jedes Akts schreitet Kirsty Bushell (als die fleischliche Ehebrecherin Vittoria) nach vorn an die Rampe, sucht gezielt Blickkontakt zu einzelnen Zuschauerinnen und Zuschauern und hält ihn gerade lange genug, um unangenehm zu werden. Sie ist kaum bekleidet: BH, bieder wirkende Miederslips (die Art, wie sich ein Schuljunge vielleicht die Unterwäsche einer Nonne vorstellen würde), das Haar unter einer Perückenkappe, barfuß. Verletzlich. Aber stählern. Langsam kleidet sie sich an und verstrickt das Publikum in intime Komplizenschaft. Wenn die Perücke sitzt, beginnt die „Handlung“, die vierte Wand ist durchbrochen – und das unumkehrbar. Im zweiten Akt nimmt sie sich Zeit, einen mit Kunstblut gefüllten medizinischen Beutel in ihre Slips zu schieben und signalisiert verschwörerisch, dass sie irgendwann in Akt zwei „da unten“ bluten wird. Die ganze Zeit über starrt sie kühl in die Augen der „Warum ausgerechnet ich?“-Besucherinnen und -Besucher.

Beunruhigend und fesselnd.

Doch die Wirkung ist jedes Mal nur kurz, denn die Aufführung versinkt in laut pumpender Musik, Videoprojektionen, die Blut oder Aspekte des weiblichen Körpers in den Mittelpunkt stellen, seltsamen ruckartigen „Tänzen“ des Ensembles, einem überwältigenden Euro-Trash-Nachtclub-Feeling des Bühnenbilds und dem Eindruck, das hier könnte eine Fantasie-Folge von Footballers' Wives sein. Es ist eine Reizüberflutung – desorientierend und, ehrlich gesagt, bizarr.

Am meisten leidet darunter das Erzählen der Geschichte. Motive, die Feinheit von Aktion und Reaktion, die Tiefe der Korruption, die vielschichtigen Beweggründe für Rache und Mord: Alles wird verschleiert, im Dienste der Idee, ein zeitgenössisches Setting garantiere Unmittelbarkeit und Herausforderung.

Eine weitere zentrale Regieentscheidung – das Geschlecht von Vittorias Geschwister zu tauschen – ist verheerend unhaltbar. Es ist überhaupt kein Problem, wenn großartige Schauspielerinnen Männerrollen spielen; aber es braucht einen sehr guten Grund, um das Geschlecht einer Figur zu ändern, die der Autor so geschaffen hat. Aberg hat in dieser Hinsicht „Form“: ihre König Johann-Inszenierung mit einem weiblichen Bastard. Damals hat es nicht funktioniert, und hier ist es katastrophal.

Wesentlich für Websters Stück ist das Bild, wie die Männerfiguren Vittoria und Isabella – die Ehefrau von Vittorias Liebhaber (hier gespielt von Faye Castelow) – benutzen und missbrauchen, kontrollieren, „beschützen“ und schließlich abschlachten. Vereinfacht gesagt steht Isabella für die patriarchale Vorstellung der „guten Ehefrau“ und Vittoria für die „schlechte Ehefrau“. Eine weitere zentrale Frauenfigur hinzuzufügen, erhellt weder das Stück noch seine Punkte. Ebenso wenig scheint es irgendetwas Sinnvolles über Misogynie zu sagen.

Castelows knappes, fades, weitgehend eintöniges Spiel schlägt einen weiteren Nagel in den Sarg dieser Idee. Wenn man Flaminio zu einer Frau macht, dann muss sie eine außergewöhnliche sein: eine starke, furchtlose, berechnende Rivalin der Männer im Stück, die auf traditioneller, patriarchaler oder religiöser Macht schwimmen – und zugleich eine ganz andere Frau als ihre Schwester. Castelow entscheidet sich für zurückhaltende, fast androgyne Ambivalenz. Das Ergebnis ist in nahezu jeder Hinsicht sinnlos und raubt dem Stück einen großen Teil seiner Wucht.

Für ein Stück, dessen sämtliche Wege auf Lust und Verrat gebaut sind, fehlt dieser Produktion auffallend jedes Gefühl von Körperlichkeit oder roher Leidenschaft. Es wird viel unerquicklich geredet, aber es passiert wenig, und es gibt kaum Zusammenspiel. Und keinerlei Spannung oder Unmittelbarkeit.

Es ist, als würde man einen zensierten Propagandafilm sehen: Man hat eine klare Vorstellung davon, was man erwarten sollte, aber es wird so präsentiert, dass diese Erwartungen völlig aus dem Takt geraten. Die männlichen Darsteller sind durch die Bank zu schwach und zu blass. Liz Crowthers Cornelia ist quälend, und David Rintoul verleiht Monticelso die ganze Finesse und Nuance eines Daleks mit Kruzifix um den Hals.

Bushell ist die Beste in einer enttäuschenden Besetzung, doch sie bekommt nie die Chance zu glänzen, wie sie es sollte – wegen der Torpfosten, die Aberg gewählt hat, um diese sportmetapherlastige Produktion einzurahmen.

Es ist verwirrend. Die letzte RSC-Produktion, die Aberg verantwortete, war ein schlichtweg glanzvolles Wie es euch gefällt. Wenn doch nur die Fähigkeit und Einsicht, die sie dort zeigte, eine alte Geschichte frisch und packend zu erzählen, hier zum Tragen gekommen wären.