CRÍTICA: O Diabo Branco, RSC, Swan Theatre ✭

Foto: Keith Pattison O Demónio Branco 16 de agosto de 2014 1 estrela

Há algumas semanas, a RSC deu um passo sem precedentes — pelo menos no meu caso — ao escrever ao seu público sobre a próxima produção de Maria Aberg de O Demónio Branco, de John Webster (agora em cena no Swan Theatre), e ao avisar:

"A peça brilhante, satírica e violenta de Webster tem, historicamente, desafiado o público com a sua série gráfica de assassínios e, à medida que trabalhamos no espectáculo na sala de ensaios, está a tornar-se claro que a nossa produção não será diferente...

Em Maria Aberg, contratámos uma encenadora que está a abordar a peça com um forte desejo de ligar este texto de há 400 anos ao público contemporâneo... isso implica situar a peça num contexto moderno, o que tem potencial para tornar as cenas de violência mais imediatas para o público.

Sendo esse o caso, quis escrever-lhe para avisar que a nossa produção conterá cenas de natureza violenta e sexual que alguns espectadores poderão achar chocantes. Não foi adicionado nenhum material novo ao texto; é simplesmente que, ao situar a peça num contexto contemporâneo, a obra necessariamente violenta e apaixonada de Webster será sentida tão imediata e desafiante como foi para o seu primeiro público, em 1612."

Parafraseando mal o Bardo: parece-me que a RSC avisa em demasia.

Ou, mais precisamente: parece-me que a RSC avisa da coisa errada.

Esta versão de Webster por Aberg — moderna, desbotada, de superfícies limpas e dominada por ecrãs multimédia — não se afoga em sangue, não está carregada de violência (sexual ou de outro tipo) e é mais inexplicavelmente incompreensível do que confrontadora. Sim, há um estrangulamento (e noutro momento uma torção de pescoço) que é difícil de ver, mas nada mais lúgubre do que cenas de outras produções recentes nos palcos da RSC.

No início de cada acto, Kirsty Bushell (no papel da adúltera carnal, Vittoria) avança até à frente do palco, estabelecendo contacto visual deliberado com determinados espectadores — um contacto que mantém tempo suficiente para se tornar desconfortável. Está pouco vestida: soutien, cuecas altas e pouco atraentes (do tipo que um rapaz de escola poderia imaginar que uma freira usaria), o cabelo preso numa rede de peruca, descalça. Vulnerável. Mas de aço. Lentamente, veste-se, apanhando o público numa cumplicidade íntima. Quando a peruca entra, a "acção" começa, a quarta parede é quebrada e irreparável. No segundo acto, pára para enfiar nas cuecas uma bolsa médica cheia de sangue falso, sinalizando, em tom conspirativo, que vai sangrar "ali" algures no Acto Dois. E, o tempo todo, fixa friamente os olhos dos espectadores do tipo "Porquê eu?".

Inquietante e intrigante.

Mas o efeito, de cada vez, é fugaz, à medida que a representação é engolida por música alta e pulsante, projecções de vídeo centradas no sangue ou em aspectos do corpo feminino, estranhas "danças" aos solavancos do elenco, uma esmagadora atmosfera de discoteca euro-trash no cenário e a sensação de que isto poderia ser um episódio de fantasia de Footballers' Wives. Há uma sobrecarga sensorial, desorientadora e, francamente, bizarra.

O que mais sofre com tudo isto é a narrativa. Motivações, a subtileza da acção e da reacção, a profundidade da corrupção, os motivos em camadas para vingança e assassinato: tudo fica obscurecido em nome da ideia de que um cenário contemporâneo garantirá imediatismo e desafio.

Outra decisão-chave de encenação — trocar o género do irmão de Vittoria — é desastrosamente infundada. Não há qualquer problema em grandes actrizes interpretarem personagens masculinas; mas tem de haver uma excelente razão para justificar alterar o sexo de uma personagem criada pelo autor. Aberg tem historial neste domínio: a sua produção de King John com um Bastardo no feminino. Não resultou então e aqui é catastrófico.

Essencial na peça de Webster é a sensação de as personagens masculinas usarem e abusarem, controlarem, "protegerem" e, por fim, massacrarem Vittoria e Isabella, a mulher do amante de Vittoria (aqui interpretada por Faye Castelow). De forma simplista, Isabella representa a noção patriarcal da "boa esposa" e Vittoria a "má esposa". Acrescentar mais uma personagem feminina central não faz nada para iluminar a peça e os seus pontos. Nem parece ter algo de útil a dizer sobre misoginia.

A interpretação seca, apagada e quase sempre monocórdica de Castelow prega mais um prego no caixão desta ideia. Se se escolhe fazer de Flaminio uma mulher, então ela tem de ser uma mulher extraordinária: uma rival forte, destemida e calculista para os homens da peça, sustentados pelo poder tradicional, patriarcal ou religioso, mas também uma mulher muito diferente da sua irmã. Castelow opta por uma ambiguidade discreta, quase andrógina. O resultado é, em praticamente todos os aspectos, inútil e rouba à peça uma grande parte da sua força.

Para uma peça cujo caminho inteiro é construído sobre luxúria e traição, esta produção é singularmente desprovida de qualquer sentido de carnalidade ou paixão visceral. Há muita conversa enfadonha, mas pouca acção ou interação. E nenhuma tensão ou imediatismo.

É como ver um filme de propaganda censurado: tem-se uma ideia clara do que esperar, mas é apresentado de uma forma que deixa essas expectativas atónitas. Os actores, no geral, estão sem potência e pouco impressionantes. A Cornelia de Liz Crowther é excruciante e David Rintoul confere a Monticelso toda a fineza e nuance de um Dalek a usar um crucifixo.

Bushell é a melhor de um elenco desapontante, mas nunca tem a oportunidade de brilhar como deveria, por causa das balizas que Aberg escolheu para enquadrar esta produção carregada de metáforas desportivas.

É desconcertante. A última produção que Aberg dirigiu para a RSC foi um As You Like It simplesmente glorioso. Quem dera que a habilidade e o discernimento que ali mostrou ao contar uma história antiga de forma fresca e arrebatadora tivessem sido aplicados aqui.