RECENSIONE: Il Diavolo Bianco, RSC, Swan Theatre ✭

Foto: Keith Pattison The White Devil 16 agosto 2014 1 stella

Qualche settimana fa, la RSC ha compiuto un passo senza precedenti – almeno per quanto mi riguarda – scrivendo al proprio pubblico in merito alla prossima produzione di Maria Aberg di The White Devil di John Webster (ora in scena allo Swan Theatre) e avvertendo:

"La brillante, satirica e violenta opera di Webster ha storicamente messo alla prova gli spettatori con la sua serie grafica di omicidi e, mentre lavoriamo allo spettacolo in sala prove, sta diventando chiaro che la nostra produzione non sarà diversa...

Con Maria Aberg abbiamo coinvolto una regista che sta affrontando il testo con un forte desiderio di connettere questo copione di 400 anni fa con il pubblico contemporaneo... questo comporta collocare l’opera in un’ambientazione moderna, che ha il potenziale di rendere le scene di violenza più immediate per gli spettatori.

Essendo così, ho voluto scrivervi per avvisarvi che la nostra produzione conterrà scene di natura violenta e sessuale che alcuni spettatori potrebbero trovare scioccanti. Non è stato aggiunto alcun nuovo materiale al testo: è semplicemente che, collocando l’opera in un contesto contemporaneo, il pezzo necessariamente violento e passionale di Webster risulterà tanto immediato e provocatorio quanto lo fu per il suo primo pubblico nel 1612."

Per parafrasare male il Bardo: mi pare che la RSC avverta un po’ troppo.

O, più precisamente: mi pare che la RSC avverta della cosa sbagliata.

Questa versione di Webster firmata Aberg – moderna, sbiancata, fatta di superfici pulite e di schermi multimediali dominanti – non affoga nel sangue, non è carica di violenza (sessuale o di altro tipo) ed è più inspiegabilmente incomprensibile di quanto sia davvero disturbante. Sì, c’è uno strangolamento (e altrove una torsione del collo) difficile da guardare, ma nulla di più cupo di scene viste in altre produzioni recenti sui palcoscenici della RSC.

All’apertura di ogni atto, Kirsty Bushell (nei panni dell’adultera carnale, Vittoria) avanza fino al proscenio, stabilendo un contatto visivo deliberato con alcuni spettatori, che mantiene quel tanto che basta per risultare scomodo. È quasi nuda: reggiseno, mutandoni da signora (quelli che un ragazzino potrebbe immaginare addosso a una suora), capelli sotto una cuffia da parrucca, scalza. Vulnerabile. Ma d’acciaio. Lentamente si veste, intrappolando il pubblico in una complicità intima. Quando indossa la parrucca, l’“azione” comincia, la quarta parete viene infranta, e non si torna più indietro. Nel secondo atto, si prende il tempo di infilare nei suoi slip una sacca medica piena di finto sangue, segnalando, in modo cospiratorio, che sanguinerà “lì sotto” a un certo punto dell’Atto Due. Il tutto mentre fissa, impassibile, negli occhi gli spettatori dal classico "Perché proprio io?".

Inquietante e intrigante.

Ma l’effetto, ogni volta, svanisce in fretta, perché la recita viene sommersa da musica martellante, proiezioni video centrate sul sangue o su aspetti del corpo femminile, strani “balli” scattosi del cast, un’atmosfera da nightclub euro-trash travolgente dettata dalla scenografia e la sensazione che potrebbe essere un episodio fantasy di Footballers' Wives. È un sovraccarico sensoriale, disorientante e, francamente, bizzarro.

A soffrire più di tutto, in questo, è la narrazione. Motivazioni, sottigliezze di azione e reazione, profondità della corruzione, i motivi stratificati che portano a vendetta e omicidio: tutto viene offuscato nell’inseguimento dell’idea che un’ambientazione contemporanea garantisca immediatezza e “sfida” al pubblico.

Un’altra decisione registica chiave – scambiare il genere del fratello di Vittoria – è disastrosamente priva di fondamento. Non c’è nulla di problematico nel vedere grandi attrici interpretare personaggi maschili; ma serve un motivo molto convincente per giustificare il cambiamento del sesso di un personaggio creato dall’autore. Aberg ha già precedenti in questo campo: il suo King John con un Bastardo al femminile. Non funzionava allora ed è catastrofico qui.

Essenziale nell’opera di Webster è la sensazione dei personaggi maschili che usano e abusano, controllano, “proteggono” e, alla fine, massacrano Vittoria e Isabella, la moglie dell’amante di Vittoria (qui interpretata da Faye Castelow). In modo schematico, Isabella rappresenta l’idea patriarcale della “brava moglie” e Vittoria la “cattiva moglie”. Aggiungere un’ulteriore figura femminile centrale non fa nulla per illuminare l’opera e i suoi punti. Né sembra avere qualcosa di utile da dire sulla misoginia.

La prova di Castelow, asciutta, spenta e per lo più monocorde, pianta un altro chiodo nella bara dell’espediente. Se scegli di trasformare Flaminio in una donna, allora deve essere una donna straordinaria; una rivale forte, impavida e calcolatrice per gli uomini del dramma, che galleggiano su un potere tradizionale, patriarcale o religioso, ma anche una donna molto diversa dalla sorella. Castelow opta per un’ambiguità sommessa, quasi androgina. Il risultato è praticamente inutile sotto ogni aspetto e priva l’opera di una parte consistente della sua forza.

Per un testo in cui ogni percorso è costruito su lussuria e tradimento, questa produzione è singolarmente priva di qualsiasi senso di carnalità o passione viscerale. C’è un sacco di parlato tedioso, ma poca azione o interazione. E nessuna tensione, nessuna immediatezza.

È come guardare un film di propaganda censurato: hai un’idea chiara di cosa aspettarti, ma ti viene presentato in un modo che manda in frantumi quelle aspettative. Gli attori maschi, senza eccezioni, sono fiacchi e poco incisivi. La Cornelia di Liz Crowther è straziante e David Rintoul infonde in Monticelso tutta la finezza e la sfumatura di un Dalek con il crocifisso al collo.

Bushell è la migliore di un cast deludente, ma non le viene mai data l’occasione di brillare come dovrebbe, a causa dei paletti entro cui Aberg ha scelto di incorniciare questa produzione zeppa di metafore sportive.

È sconcertante. L’ultima produzione diretta da Aberg per la RSC è stata un As You Like It semplicemente splendido. Se solo l’abilità e l’acume che ha mostrato lì – nel raccontare una storia antica in modo fresco e folgorante – fossero stati messi al servizio anche di questo lavoro.