CRITIQUE : Le Diable Blanc, RSC, Swan Theatre ✭

Photo: Keith Pattison The White Devil 16 août 2014 1 étoile

Il y a quelques semaines, le RSC a pris l'initiative sans précédent, du moins en ce qui me concerne, d'écrire à son public au sujet de la prochaine production de Maria Aberg de The White Devil de John Webster (joué actuellement au Swan Theatre) et d'avertir :

"La pièce brillante, satirique et violente de Webster a historiquement défié le public avec sa série graphique de meurtres, et à mesure que nous travaillons sur le spectacle dans la salle de répétition, il devient clair que notre production ne sera pas différente...

Avec Maria Aberg, nous avons engagé une metteuse en scène désireuse de connecter ce texte vieux de 400 ans avec le public contemporain... cela implique de situer la pièce dans un cadre moderne qui a le potentiel de rendre les scènes de violence plus immédiates pour les spectateurs.

C'est pourquoi, je voulais vous écrire pour vous informer que notre production contiendra des scènes de nature violente et sexuelle que certains spectateurs pourraient trouver choquantes. Aucun nouveau matériel n'a été ajouté au texte, c'est simplement qu'en situant la pièce dans un cadre contemporain, l'œuvre nécessairement violente et passionnée de Webster se sentira aussi immédiate et dérangeante qu'elle l'était pour ses premiers publics en 1612."

Pour paraphraser le Barde : je pense que le RSC avertit un peu trop.

Ou, plus exactement : je pense que le RSC avertit au sujet des mauvaises choses.

Cette version moderne, aux surfaces blanches et propres et aux écrans multimédias dominants d'Aberg de Webster ne s'enlise pas dans le sang, n'est pas chargée de violence (sexuelle ou autre) et est plus incompréhensiblement unfathomable qu'elle n'est confrontante. Oui, il y a une strangulation (et ailleurs une torsion de cou) qui est difficile à regarder, mais rien de plus sinistre que les scènes d'autres productions récentes sur les scènes du RSC.

À chaque ouverture d'acte, Kirsty Bushell (jouant l'adultère charnelle, Vittoria) avance vers le devant de la scène, en établissant un contact visuel délibéré avec des membres particuliers du public, contact qu'elle maintient juste assez longtemps pour être inconfortable. Elle est à peine vêtue : soutien-gorge, culottes de matrone (du genre qu'un écolier pourrait imaginer qu'une nonne pourrait porter), cheveux en bonnet de perruque, pieds nus. Vulnérable. Mais d'acier. Lentement, elle s'habille, piégeant le public dans une complicité intime. Lorsque la perruque est enfilée, l'"action" commence, la quatrième paroi brisée et irréparable. Dans le deuxième acte, elle prend le temps d'insérer une poche médicale pleine de faux sang dans sa culotte, signalant, de manière conspiratoire, qu'elle saignera "là-dessous" à un moment de l'acte deux. Tout en restant impassible, en fixant tranquillement dans les yeux des spectateurs se demandant "Pourquoi moi ?".

Inquiétant et intrigant.

Mais l'effet, chaque fois, est éphémère alors que le spectacle est submergé par une musique forte et pulsante, des projections vidéo centrées sur le sang ou des aspects du corps féminin, des "danses" saccadées et curieuses par la compagnie, une atmosphère étouffante de boîte de nuit Euro-trash du décor et le sentiment que cela pourrait être un épisode fantaisiste de Footballers' Wives. Il y a une surcharge sensorielle, désorientante et, franchement, bizarre.

Ce qui souffre le plus dans tout cela, c'est la narration. Les motivations, la subtilité de l'action et la réaction, la profondeur de la corruption, les motifs complexes de vengeance et de meurtre : tout est obscurci dans la poursuite de l'idée qu'un cadre contemporain garantira immédiateté et défi.

Une autre décision clé de mise en scène, de changer le genre du frère de Vittoria, est désastreusement insensée. Il n'y a aucune difficulté pour de grandes actrices à jouer des personnages masculins ; mais il doit y avoir une très bonne raison de justifier le changement de sexe d'un personnage créé par l'auteur. Aberg a de l'expérience dans ce domaine : sa production de King John avec un Bâtard féminin. Cela n'a pas été efficace à l'époque et c'est catastrophique ici.

Essentiel pour la pièce de Webster est le sentiment des personnages masculins d'utiliser et d'abuser, de contrôler, de "protéger" et, finalement, de massacrer Vittoria et Isabella, la femme de l'amant de Vittoria (ici jouée par Faye Castelow). De manière simpliste, Isabella représente la notion patriarcale de la "bonne épouse" et Vittoria de la "mauvaise épouse". Ajouter un autre personnage central féminin n'éclaire en rien la pièce et ses points de vue. Cela semble n'avoir rien d'utile à dire sur la misogynie.

La prestation hachée, terne et largement univoque de Castelow enfonce un clou supplémentaire dans le cercueil de la conception. Si vous choisissez de faire de Flaminio une femme, alors elle se doit d'être remarquable ; une rivale forte, intrépide et calculatrice des hommes de la pièce qui flottent sur le pouvoir traditionnel, patriarcal ou religieux mais aussi une femme très différente de sa sœur. Castelow opte pour une ambiguïté discrète, presque androgyne. Le résultat est pratiquement inutile de toutes les manières et prive la pièce d'une grande partie de sa force.

Pour une pièce dont chaque chemin est construit sur le désir et la trahison, cette production manque singulièrement de tout sens de la sensualité ou de la passion viscérale. Il y a beaucoup de bavardage ennuyeux mais pas beaucoup d'action ou d'interaction. Et aucune tension ou immédiateté.

C'est comme regarder un film de propagande censuré : vous savez clairement à quoi vous attendre, mais c'est présenté d'une manière qui déconcerte ces attentes. Les acteurs masculins sont, dans l'ensemble, faibles et peu impressionnants. Cornelia de Liz Crowther est exaspérante et David Rintoul imprègne Monticelso de toute la finesse et la nuance d'un Dalek portant une croix.

Bushell est la meilleure d'une distribution décevante, mais elle n'a jamais la chance de briller comme elle le devrait à cause des poteaux de but qu'Aberg a choisis pour encadrer cette production riche en métaphores sportives.

C'est déconcertant. La dernière production qu'Aberg a dirigée pour le RSC était un simplement glorieux As You Like It. Si seulement les compétences et l'intuition qu'elle a montrées là pour raconter une vieille histoire de manière nouvelle et accrocheuse avaient été appliquées ici.