BEWERTUNG: Wicked, Apollo Victoria Theatre ✭✭✭✭✭

Wicked

Apollo Victoria Theatre

11. Februar 2015

5 Sterne

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Wie gross ist die Chance, dass ein Musical über politische Propaganda, ethnische Säuberungen, Rassismus, Untreue, Gruppendruck, Mord, zivilen Ungehorsam, Amtskorruption, Geschichtsfälschung, die Schwächen eines Systems, in dem Macht vererbt wird, und Tierquälerei achtmal pro Woche ein grosses Publikum ins Theater lockt? So gut wie keine?

Und doch …

Wicked handelt von all dem – verpackt in ein herrlich verdrehtes, magisch schillerndes „Alles-wird-grün“-Seidenkleid – und ist nun bereits im 9. Jahr im Apollo Victoria Theatre zu sehen. Tatsächlich werden viele Wicked sehen, ohne zu merken, dass diese Themen ständig mitschwingen – und genau das ist eine der grössten Stärken von Winnie Holzmans Buch, basierend auf dem Roman von Gregory Maguire. Hochwichtige Fragen werden jungen Köpfen (und auch älteren) nahegebracht, clever getarnt als romantische Musicalkomödie über die Vorgeschichte zu einer der beliebtesten Kindererzählungen/-verfilmungen aller Zeiten: Der Zauberer von Oz. Entscheidend ist, Wicked als eigenständiges Werk zu betrachten – vollständig getrennt vom Zauberer von Oz; wer eine Erfahrung erwartet, die dem Judy-Garland-Film ähnelt, wird unweigerlich enttäuscht. Wicked hat ein völlig anderes Gefühl, einen anderen Stil und eine andere Absicht und muss aus sich heraus gewürdigt werden. Ein bisschen Vorwissen über den Film hilft zwar bei manchen Pointen, ist aber keineswegs Voraussetzung, um Wicked zu geniessen.

Im Kern ist Wicked die Geschichte einer Freundschaft zwischen zwei jungen Frauen, Galinda und Elphaba, aus völlig unterschiedlichen Verhältnissen, die zu den Hexen werden, denen Dorothy in Oz begegnet, nachdem der Tornado sie aus der Sicherheit ihres Farmhauses fortgerissen hat. Klug treibt die Frage, was eigentlich „gut“ und was „böse“ ist, die Handlung voran – und vieles ist nie ganz so, wie es scheint. Auf dem Weg zum „glücklichen“ Ende begegnen uns viele vertraute Oz-Figuren: der Löwe, der Blechmann, die Vogelscheuche, die Fliegenden Affen, die Munchkins und natürlich der Zauberer. Dazu kommen neue Charaktere: die intrigante, manipulative, tyrannische Madame Morrible und der Ziegen-Professor Doktor Dillamond, dem die Stimme genommen wird (wörtlich wie im übertragenen Sinn) durch die Demütigung und Unterdrückung, die er ertragen muss.

Die Erzählung arbeitet dabei ständig auf zwei Ebenen: die hübsche, bunte, aufregende und romantische Geschichte zweier Hexen, in der die Aussenseiterin den hübschen Prinzen (na gut: zumindest den Schloss-Erben) bekommt und „glücklich“ bis ans Ende ihrer Tage lebt; und die erwachsenere Auseinandersetzung mit gewichtigen Themen, schwierigen Vorstellungen von Macht, Verantwortung und – am wichtigsten – Akzeptanz.

Diese nahtlose Doppelbödigkeit sorgt dafür, dass Wicked am Broadway seit über einem Jahrzehnt vor ausverkauften Häusern spielt – und sie wird das Stück ganz sicher auch in London zur Zehn-Jahres-Marke tragen. Das – und Stephen Schwartz’ bemerkenswerte, eingängige Partitur. Es ist kein Score, der beim ersten Hören zwingend jeden sofort packt, auch wenn es viele offensichtliche Ohrwürmer gibt – aber es ist eine Musik, die an Reichtum und Komplexität gewinnt, je öfter man sie hört. Üppig und verführerisch verlangt sie nach wunderbarem Gesang – etwas, das bei der Besetzung der Londoner Produktion nicht immer ganz oben auf der Prioritätenliste stand.

Jetzt aber ganz eindeutig.

Dadurch ist die aktuelle Inkarnation von Wicked die stärkste, die London bislang gesehen hat. An dieser Produktion ist alles in Bestform. Das Ensemble ist hervorragend, liefert mitreissende vokale Harmonien sowie wirkungsvolle, disziplinierte Bühnenbilder und Choreografien. Das Licht (Kenneth Posner) ist scharf und präzise; die Kostüme (Susan Hilferty) wirken frisch, sitzen perfekt und sind bezaubernd; der Ton (Tony Meola) ist klar und sauber – wenn auch gelegentlich mit der Tendenz, die Schmerzgrenze des Trommelfells zu testen. Es sieht aus, fühlt sich an und klingt wie eine Produktion in ihrer neunten Woche, nicht in ihrem neunten Jahr.

Das Beste an dieser Wicked-Version ist, dass die Inszenierung zu ihrem Kern zurückgefunden hat: die Geschichte von zwei Hexen – statt die Story einer grünen Hexe mit einer blonden Nebenfigur. Der Titel lautet Wicked, nicht Elphaba; er passt, weil beide Hauptfiguren in unterschiedlichen Phasen und auf unterschiedliche Weise tatsächlich „wicked“ sind – und meiner Ansicht nach funktioniert die Show erst dann richtig, wenn die Balance zwischen Elphaba und Glinda stimmt.

Mehr noch: Ohne eine sensationelle Glinda kann Wicked schlicht nicht so funktionieren, wie es gedacht ist.

Zum Glück ist Savannah Stevenson eine sensationelle Glinda – sowohl als Galinda als auch als Glinda. Sie ist mühelos die beste Darstellerin, die ich in dieser Rolle gesehen habe, weder im West End noch am Broadway. Als Vollblut-Schauspielerin ist sie in jeder Szene präzise und klar und meistert bewundernswert geschickt die ganze Bandbreite: vom schusseligen, selbstverliebten, verzogenen Gör bis zur strahlenden, wohlwollenden Strippenzieherin – mit herzgebrochener Freundin, verratener und verratender bester Freundin sowie Volksidol, alles unterwegs wunderbar austariert.

Ihr komödiantisches Timing ist exzellent, ihr Zusammenspiel mit Elphaba und Fiyero ist sensibel aufgebaut und gehalten, und ihre Szene mit dem Zauberer und Madame Morrible, nachdem alles ans Licht gekommen ist, ist schlicht grossartig.

Gesanglich ist Stevenson atemberaubend. Sie verfügt über einen sicheren, klaren Sopran, der von oben bis unten warm und aufregend klingt. Die sehr hohen Passagen zu Beginn der Show in No One Mourns The Wicked sind rein und wirken mühelos; Popular ist ansteckend und sprüht vor Leben; und in Dancing through Life sowie in der Reprise von I’m Not That Girl liegt echte Schönheit. Am überwältigendsten ist sie in den Duetten mit Emma Hattons Elphaba: For Good ist erhaben, und in der giftigen What is this Feeling sowie im dramatischen Höhepunkt Defying Gravity gibt es aus jeweils anderen Gründen geradezu magische Momente. In den Harmonien verschmelzen die beiden Stimmen meisterhaft und erfüllen Schwartz’ Intentionen voll und ganz. Am besten aber ist ihre zutiefst empfundene Arbeit in Thank Goodness zu Beginn des zweiten Akts. Hier glänzt Stevenson, zeichnet Glindas Glück und Schmerz nach und bewahrt dabei stets eine Fassade strahlender, kontrollierter Schönheit. In Stevensons Darstellung wird Glinda zur wichtigen zentralen Kraft, die die Show braucht. Emma Hatton war indisponiert, daher stand die Alternate-Elphaba Natalie Andreou auf der Bühne. Andreou ist eine ausgezeichnete Elphaba und hat keinerlei Probleme mit dem hohen Belt in der Menzel-Tradition in Defying Gravity und No Good Deed. In der Höhe ihres kräftig-metallischen Timbres ist der Klang aufregend und reich. In der Mittellage – ebenso wie oben – hat Andreou alles vollständig unter Kontrolle und brilliert darin, die Passagen, die sie singt, mit satten und komplexen Farben zu gestalten. Die Tiefe ihrer Stimme ist nicht ganz so gut gestützt, wie sie sein könnte, was gelegentlich zu Unhörbarkeit und merkwürdigen Phrasierungen führt – aber das sind Kleinigkeiten, die die Gesamtleistung nicht beeinträchtigen.

Andreous Schauspiel ist genau das, was es sein muss, und sie macht die Komplexität und die unterschiedlichen Facetten von Elphabas Entwicklung als Figur unmittelbar nachvollziehbar und wahrhaftig. Sie ist abwechselnd trotzig, ängstlich, warm, verwirrt, furchteinflössend, zielstrebig und inspirierend. Sie gestaltet ihre Beziehung zunächst zu Glinda und dann zu Fiyero vollkommen schlüssig und ist besonders stark darin, die komplizierte Bindung zu ihrer Schwester Nessarose und ihren tiefen Respekt für Doktor Dillamond zu etablieren. Besonders versiert darin, das weiche Herz unter der spröden Oberfläche zu zeigen, liefert Andreou einen vollständigen, vielschichtigen und rundum gelungenen Starauftritt.

Fiyero ist eine schwierige Rolle, die man überzeugend hinbekommen muss. Vordergründig ein selbstsüchtiger, eitler, vornehmer Bad Boy, ist Fiyero in Wahrheit der Motor der Veränderung in diesem Stück. Denn sowohl Glinda als auch Elphaba haben Fiyero getroffen – und beide wurden für immer verändert. Matthew Croke, der für den urlaubenden Jeremy Taylor einspringt, ist ein hervorragender Fiyero: angemessen gutaussehend, leichtfüssig, mit einem umwerfenden Lächeln und Haaren, die geradezu danach verlangen, zerzaust zu werden – die Verkörperung des märchenhaften Love Interests. Dancing through Life gelingt glänzend, und Crokes Duett mit Andreous Elphaba, As Long As You’re Mine, ist voller Leidenschaft. Croke verströmt Stil und Charme und komplettiert das zentrale Trio mit verwegener Souveränität.

Katie Rowley Jones, die ursprüngliche West-End-Nessarose, ist wieder im Sattel – und ihre Leistung ist wunderschön gereift und gewachsen. Rowley Jones ist als Elphabas gehbehinderte Schwester ganz wunderbar und bringt jedes Quäntchen Groll, Enttäuschung und Wut in ihren treffend austarierten Auftritt. In ihren Szenen im zweiten Akt liegt eine kontrollierte Verzweiflung, die besonders fesselnd ist. Stimmlich ist sie ebenfalls in Topform. Sam Lupton unterstützt als Boq solide, vor allem im zweiten Akt. Er hat eine echte Stimme und eine gute Bühnenpräsenz, sollte aber seine frühen Szenen mit mehr Überschwang und etwas weniger Ernsthaftigkeit füllen.

Martyn Ellis trifft als Zauberer eine gute Balance zwischen mystischem Anführer und machiavellistischem Freigeist. Ihm gelingt die unwahrscheinliche Aufgabe, die verschiedenen Seiten der Figur in eine kohärente, lebendige Gesamtgestalt zu fügen – wenn auch eine, die ein wenig wie ein ozianischer Cousin von Nicely Nicely Johnson wirkt. Dennoch ist der Charme dieses lebensgrossen Lebemanns unbestreitbar, und besonders im zweiten Akt glänzt er. Liza Sadovy trifft als unterwürfige Madame Morrible alle richtigen Töne – komisch wie bösartig – und ist besonders stark, wenn sie sich gegen Glinda wendet, deren Fassung durch Ärger ins Wanken gerät.

Hervorragend ist auch Philip Childs als gehetzter und später gebrochener Doktor Dillamond, und Kyle Anthony ist grossartig als Chistery – seine letzten unbeholfenen Worte sind ein kraftvolles Symbol der Hoffnung.

Wicked ist in grandioser Verfassung, und die aktuelle Besetzung schöpft sein Potenzial voll aus. Wenn du es noch nie gesehen hast – oder wenn du es bereits gesehen hast – dann ist jetzt der Moment, wieder hinzugehen: Auch du könntest dich zum Besseren verändern.

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