RESEÑA: Half A Sixpence, Teatro Noel Coward ✭✭✭✭

Half A Sixpence

Noel Coward Theatre

14 de noviembre de 2016

4 estrellas

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H. G. Wells es uno de los grandes mitificadores de la era moderna, y su historia, a lo Cándido, de un héroe huérfano, amantes desparejados, un enriquecimiento repentino y un empobrecimiento igual de inesperado, todo ello bajo la tutela de un destino arbitrario y caprichoso, es una de las joyas de la corona de ese legado de arquetipos con el que describió el mundo que conocemos. Arthur Kipps, el protagonista de esta fábula aleccionadora sobre el poder del dinero, es un personaje profundamente popular y ha fascinado a adaptadores para el teatro y la pantalla prácticamente desde que apareció por primera vez en 1905. Y, sobre todo, el vehículo escrito para Tommy Steele en 1963, repleto de magníficas canciones de David Heneker (nacido, por cierto, apenas un año después de la primera publicación del relato), se ha instalado con más fuerza en el imaginario colectivo; es a través de esa versión como los adaptadores actuales han llegado a revisitar la fábula de Wells.

Si te gusta el glamour, esta producción —diseñada por Paul Brown— te resultará sencillamente irresistible. El elegante decorado del templete, con dobles plataformas giratorias, acoge un desfile de moda de finales de la época eduardiana que parece arrancado directamente de las páginas de The Yellow Book. El marfil domina el primer acto, con un espectacular arranque del segundo en un soberbio amarillo y negro, que evoca el acero de Toledo o el salón de la casa de Sir John Soane. Paule Constable ilumina todo para que estos conjuntos luzcan en su máximo esplendor: en el teatro de la época, la gente salía a ver las últimas tendencias, y aquí no se escatima en absoluto.

La dirección, ligera y fugaz como el mercurio, de Rachel Kavanagh parece partir de esa premisa: la vida de todos es una actuación, un espectáculo, aunque solo sea hacerse unas fotos en una boda o aparecer en el convite en una motocicleta de lo más moderna; el lenguaje visual que adopta cada personaje es un elemento vital —quizá el más vital— de su personalidad. En ningún sitio queda más claro que en el protagonista: la transformación del debutante Charlie Stemp, de aprendiz de sastre a caballero con posibles, se ejecuta al más puro estilo de Sartor Resartus, allí mismo, en su lugar de trabajo. Fuera la ropa de faena, apagada, y entra un traje de cuadros elegante aunque algo llamativo, un chaleco color crema y un par de zapatos nuevos y relucientes. A su alrededor, el resto del personal permanece igual; y mientras él ahora exige que el dueño, su antiguo empleador, le llame «Sir», este, altivo, se ve visiblemente abatido por el implacable peso del código social. Bajo el sueño juguetón del relato, la áspera realidad nunca queda lejos.

La partitura de Heneker, el último musical británico que logró dar el salto a Broadway con éxito (en 1965) antes de la irrupción de un mundo completamente distinto con 'Evita' y 'Cats', insufla a la historia una belleza melódica y una inventiva lírica notables: todo el mundo suena ingenioso, sofisticado, cálido y afectuoso. Gran parte de lo que escribió está presente, pero los nuevos autores, George Stiles y Anthony Drewe, han reajustado los números para encajarlos con un libreto en gran medida nuevo de Julian Fellowes: la trama es, más o menos, la misma, pero hay bastante más de lo que Arnold Bennett describió como la «feroz hostilidad» de Wells hacia todos los personajes salvo Kipps. Y menos mal. Eso es justo lo que los musicales de antaño suelen necesitar y tan rara vez reciben: libretos que encajen mejor con el gusto contemporáneo. El mordisco de los motivos más oscuros de tantos personajes —sean conscientes o no— aporta mucho más atractivo a la obra, templando su dulzura con un realismo astuto y terrenal.

Stiles y Drewe aportan además ocho canciones completamente nuevas, incluida la magnífica pieza ragtime, 'Pick Out A Simple Tune', pero costaría identificar cuáles son suyas, tan perfectamente se integran con el material recuperado. Personalmente, eché en falta 'Efficiency', que no sobrevivió a la reescritura; pero el nuevo número que la sustituye, 'Look Alive', aporta mucha más velocidad y empuje a las primeras fases de la trama, con una mayor sensación de, ejem, eficiencia. Es algo característico: todas las decisiones tomadas se han tomado al servicio de contar la historia.

En cuanto al reparto, se ha optado por colocar a un recién llegado al centro de esta exigente obra: tiene que cantar y, a menudo, sostener 20 de los 23 números musicales. Es muy joven y un bailarín de una atletismo impresionante; su voz es agradable. Sus dos chicas, la Ann de clase trabajadora (Devon-Elise Johnson) y la rica Helen (Emma Williams), están bien contrastadas. Vivien Parry se divierte como la madre ambiciosa de Helen, y Jane How compone una imponente Lady Punnet (el personaje tipo Maggie Smith aquí, para los seguidores del exitosísimo trabajo televisivo del Sr. Fellowes, que se sentirán como en casa con esta producción). Gerard Carey crea un villano adecuadamente escalofriante como el futuro cuñado de Kipps que malversa fondos, y además hace doblete como el fotógrafo de bodas, tan camp como la Navidad (¡en «ese» número!).

Alex Hope causa un impacto notable como el socialista Sid Pornick y Bethany Huckle es una Flo deliciosamente vivaz. Y hay un gran número de West End por parte de Ian Bartholomew como Chitterlow (su aparición más reciente en este mismo teatro fue en 'Mrs Henderson Presents'). Con una formación al completo de 24 intérpretes, el conjunto produce un sonido gloriosamente eficaz.

El coreógrafo Andrew Wright es un colaborador habitual de Kavanagh, y su trabajo encaja a la perfección. La danza es, por supuesto, un elemento clave de la brillante película de 1967 del musical, pero aquí no hay largas secuencias coreografiadas: el movimiento se pone al servicio de la narración. Así, cuando llega 'Flash, Bang, Wallop!', es muy posible que el público se descubra escuchando por primera vez la ingeniosa letra, y disfrutando de verdad de oírla tan pertinentemente declamada en la perspicaz puesta en escena de Kavanagh y Wright para este número estrella. Y, por encima de todo, la banda de metal y viento de una docena de músicos —tan apropiada para un templete— interpreta orquestaciones vivaces de William David Brohn (y Tom Kelly), incluidos arreglos de danza y vocales del propio Stiles, bajo la segura guía de Graham Hurman (la supervisión musical corre a cargo de Stephen Brooker). El sonido, a cargo de Mick Potter, parece favorecer el registro agudo y resulta cercano y algo adelantado.

En conjunto, esta colaboración entre el Chichester Festival Theatre y Cameron Mackintosh es un revival espléndidamente vistoso de un clásico muy querido, que ofrece una mirada renovada a una de las mayores partituras del musical británico jamás escritas, e incorpora un buen puñado de nueva escritura de algunos de los creativos más experimentados del sector. Es una delicia.

Fotos: Manual Harlan

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