RECENSIONE: Mezzo Penny, Teatro Noel Coward ✭✭✭✭

Half A Sixpence

Noel Coward Theatre

14 novembre 2016

4 stelle

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H. G. Wells è uno dei mitografi dell’età moderna e la sua storia, quasi voltairiana alla Candide, di un eroe orfano, amori sbagliati, improvviso arricchimento e altrettanto inatteso impoverimento—con il destino, arbitrario e capriccioso, a sovrintendere il tutto—è uno dei gioielli della corona del suo lascito di archetipi che descrivono il mondo che conosciamo. Arthur Kipps, protagonista di questa parabola ammonitrice sul potere del denaro, è una figura amatissima e ha affascinato adattatori per palcoscenico e schermo praticamente da quando apparve per la prima volta nel 1905. Soprattutto, il veicolo scritto per Tommy Steele nel 1963, ricco di magnifiche canzoni di David Heneker (nato, lui stesso, appena un anno dopo la prima pubblicazione del racconto), si è fissato con forza nell’immaginario popolare, ed è attraverso questa versione che gli adattatori di oggi sono tornati a rileggere la favola di Wells.

Se amate il glamour, questa produzione—con le scene e i costumi di Paul Brown—vi risulterà semplicemente irresistibile. L’elegante struttura da bandstand, con doppi girevoli, ospita una sfilata di mode tardo edoardiane che sembrano saltate fuori direttamente dalle pagine dello Yellow Book. L’avorio domina il primo atto, mentre il secondo si apre con un colpo d’occhio mozzafiato in giallo e nero, che richiama l’acciaio di Toledo o il salotto di Sir John Soane. Paule Constable illumina il tutto mettendo questi abiti nelle condizioni migliori: nel teatro dell’epoca si usciva anche per vedere le ultime tendenze, e qui non ci si risparmia.

La regia leggera e mercuriale di Rachel Kavanagh sembra prendere spunto proprio da questo: la vita di tutti è una performance, uno spettacolo—anche quando si tratta soltanto di fare qualche foto a un matrimonio o di presentarsi al ricevimento su una motocicletta “di nuova concezione”. Il linguaggio visivo adottato da ogni personaggio è un elemento vitale, forse il più vitale, della sua personalità. Nulla lo rende più evidente del protagonista: la trasformazione del giovane Charlie Stemp, al debutto, da garzoncello apprendista da Draper a gentiluomo di mezzi, realizzata nel migliore stile del Sartor Resartus, proprio lì, sul posto di lavoro. Via gli anonimi abiti da lavoro, ecco un completo a quadri elegante—seppur un filo appariscente—con panciotto color crema e un paio di scarpe nuove e lucide. Attorno a lui, il resto del personale resta immutato, mentre lui ora pretende di essere chiamato “Sir” dall’imperioso proprietario, il suo ex datore di lavoro, che appare visibilmente schiacciato mentre l’implacabile codice sociale gli piomba addosso. Sotto il sogno scanzonato della storia, la realtà ruvida non è mai lontana.

La partitura di Heneker, l’ultimo musical britannico ad approdare con successo a Broadway (nel 1965) prima dell’avvento di un mondo completamente diverso fatto di Evita e Cats, inonda questa vicenda di bellezza melodica e invenzione lirica: tutti suonano brillanti, sofisticati, caldi e affettuosi. Gran parte di ciò che scrisse è presente anche qui, ma i nuovi autori, George Stiles e Anthony Drewe, hanno rielaborato i numeri per adattarli a un copione in gran parte nuovo firmato da Julian Fellowes: la trama è più o meno la stessa, ma c’è molto di più di quella che Arnold Bennett definiva la “feroce ostilità” di Wells verso tutti i personaggi tranne Kipps. E meno male. È proprio ciò di cui i musical del passato spesso hanno bisogno e che così raramente ricevono: libretti più in sintonia con il gusto contemporaneo. Il morso delle motivazioni più oscure di tanti personaggi—consapevoli o meno—rende quest’opera decisamente più appetibile, temperandone la dolcezza con un realismo scaltro e terreno.

Stiles e Drewe contribuiscono anche con otto canzoni completamente nuove, tra cui il magnifico brano ragtime “Pick Out A Simple Tune”, ma sarebbe difficile capire quali siano le loro: si fondono con il materiale ripreso con una naturalezza perfetta. Personalmente ho sentito la mancanza di “Efficiency”, che non è sopravvissuta alla riscrittura, ma il nuovo numero che la sostituisce, “Look Alive”, imprime molta più velocità e slancio alle prime fasi della trama, con un maggiore senso di—ehm—efficienza. È indicativo. Tutte le scelte sono state fatte nell’interesse di raccontare la storia.

Sul piano del casting, si è scelto di mettere al centro di questo lavoro impegnativo un esordiente del settore: deve cantare e spesso sostenere 20 numeri musicali su 23. È molto giovane e un ballerino atletico davvero impressionante; ha una voce gradevole. Le sue ragazze—Ann, della classe operaia (Devon-Elise Johnson), e Helen, ricca (Emma Williams)—sono ben contrapposte. Vivien Parry si diverte nei panni della madre invadente di Helen, e Jane How è una formidabile Lady Punnet (il personaggio “alla Maggie Smith” per gli appassionati del fortunatissimo lavoro televisivo di Mr Fellowes, che qui si sentiranno decisamente a casa). Gerard Carey è un villain gelidamente efficace nel ruolo dell’aspirante cognato di Kipps, truffatore e peculatore, e poi raddoppia come fotografo di matrimonio camp fino al midollo (in “quel” numero!).

Alex Hope colpisce nel ruolo del socialista Sid Pornick e Bethany Huckle è una Flo deliziosamente vivace. E c’è un bel numero da West End di Ian Bartholomew come Chitterlow (di recente lo si è visto proprio in questo teatro in Mrs Henderson Presents). Con un organico pieno di 24 elementi, l’ensemble produce un suono magnificamente efficace.

Il coreografo Andrew Wright è un collaboratore fidato di Kavanagh, e il loro lavoro si incastra alla perfezione. La danza è, naturalmente, una componente fondamentale del brillante film del 1967 tratto dal musical, ma qui non ci sono lunghe sequenze coreografate: il movimento è al servizio della narrazione. Così, quando arriva “Flash, Bang, Wallop!”, il pubblico potrebbe ritrovarsi ad ascoltare davvero per la prima volta i testi arguti, e a godersi fino in fondo quanto risultino pertinenti nella messa in scena acuta di Kavanagh e Wright di questo showstopper. E soprattutto, la banda di ottoni e legni—una dozzina di elementi, perfettamente adatta a un bandstand—suona orchestrazioni vivaci di William David Brohn (e Tom Kelly), includendo arrangiamenti di danza e vocali di Stiles stesso, sotto la guida sicura di Graham Hurman (la supervisione musicale è di Stephen Brooker). Il suono, curato da Mick Potter, sembra privilegiare il registro acuto ed è vicino e leggermente in avanti.

In definitiva, questa collaborazione tra il Chichester Festival Theatre e Cameron Mackintosh è una ripresa splendida e impeccabilmente elegante di un classico amatissimo, che offre uno sguardo nuovo su una delle più grandi partiture di musical britannici mai scritte e incorpora parecchia ottima nuova scrittura da parte di alcuni fra i creativi più esperti del settore. È una delizia.

Foto: Manual Harlan

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