CRÍTICA: Half A Sixpence, Teatro Noel Coward ✭✭✭✭

Half A Sixpence

Noel Coward Theatre

14 de novembro de 2016

4 estrelas

Reservar agora | Mais informações

H. G. Wells é um dos grandes mitógrafos da era moderna, e a sua história à la Candide — sobre um herói órfão, amores desencontrados, enriquecimento súbito e uma igualmente inesperada volta à penúria, tudo sob o olhar de um destino arbitrário e caprichoso — é uma das joias da coroa do seu legado de arquétipos que descrevem o mundo que conhecemos. Arthur Kipps, protagonista desta fábula preventiva sobre o poder do dinheiro, é uma figura profundamente popular e tem fascinado adaptadores para palco e ecrã praticamente desde a sua primeira aparição em 1905. De forma mais duradoura, a versão escrita para Tommy Steele em 1963, recheada de canções magníficas de David Heneker (ele próprio nascido apenas um ano após a primeira publicação da história), ficou bem presa no imaginário coletivo — e é através dessa versão que os adaptadores atuais chegam para revisitar a fábula de Wells.

Se gosta de glamour, vai achar esta produção — com cenografia de Paul Brown — absolutamente irresistível. O belo cenário de coreto, com dois giratórios, acolhe um desfile de moda do final da era eduardiana que parece ter saltado diretamente das páginas de The Yellow Book. O marfim domina o primeiro ato, com uma abertura do segundo ato deslumbrante em amarelo e preto, lembrando o aço de Toledo ou a sala de estar da casa de Sir John Soane. Paule Constable ilumina tudo para mostrar estes figurinos no seu melhor: no teatro da época, as pessoas saíam para ver as últimas tendências — e aqui não nos falta nada.

A encenação leve e mercurial de Rachel Kavanagh parece partir precisamente desse princípio: a vida de toda a gente é uma performance, um espetáculo — mesmo que seja só tirar fotografias num casamento ou aparecer na receção numa motocicleta de última geração. A linguagem visual adotada por cada personagem é um elemento vital, talvez o mais vital, da sua personalidade. Em lado nenhum isso é mais evidente do que no protagonista: a transformação do recém-chegado Charlie Stemp, de aprendiz de draparia a cavalheiro abastado, executada à melhor maneira de Sartor Resartus, ali mesmo no local de trabalho. Saem as roupas baças do ofício e entra um fato aos quadrados, elegante embora algo vistoso, com colete creme e um par de sapatos brilhantes e novos. À sua volta, o resto do pessoal permanece inalterado, enquanto ele agora pode insistir em ser tratado por “Sir” pelo proprietário autoritário — o seu antigo patrão —, que parece visivelmente esmagado à medida que o implacável código social o oprime. Sob o sonho folgazão da história, a realidade áspera nunca está muito longe.

A partitura de Heneker — o último musical britânico a transferir-se com sucesso para a Broadway (em 1965), antes de chegar um mundo inteiramente diferente com “Evita” e “Cats” — injeta nesta história uma beleza melódica e uma inventividade lírica notáveis: toda a gente soa inteligente, sofisticada, calorosa e afetuosa. A maior parte do que ele escreveu está presente, mas os novos autores, George Stiles e Anthony Drewe, retrabalharam os números para se ajustarem a um libreto em grande medida novo de Julian Fellowes: o enredo é mais ou menos o mesmo, mas há consideravelmente mais do que Arnold Bennett descreveu como a “feroz hostilidade” de Wells em relação a todas as personagens, exceto Kipps. E ainda bem. É isto que os musicais do passado muitas vezes precisam — e tão raramente recebem: libretos que dialoguem melhor com os gostos contemporâneos. O travo dos motivos mais sombrios de tantas personagens — conscientes ou não — dá a esta obra muito mais atrativo, temperando a doçura com um realismo sagaz e terreno.

Stiles e Drewe contribuem também com oito canções totalmente novas, incluindo o magnífico êxito ragtime “Pick Out A Simple Tune”, mas seria difícil perceber quais os números que são deles, de tão perfeitamente se fundirem com o material reutilizado. Pessoalmente, senti falta de “Efficiency”, que não passou pela reescrita, mas o novo número que a substitui, “Look Alive”, imprime muito mais velocidade e energia às primeiras etapas do enredo — com uma maior sensação de, hum, eficiência. É uma característica desta versão. Todas as decisões tomadas foram tomadas ao serviço de contar a história.

Quanto ao elenco, optou-se por colocar um estreante no centro deste trabalho exigente: tem de cantar e, muitas vezes, carregar 20 dos 23 números musicais. É muito jovem e um bailarino extraordinariamente atlético; tem uma voz agradável. As suas raparigas — Ann, de classe operária (Devon-Elise Johnson), e Helen, a menina rica (Emma Williams) — estão bem contrastadas. Vivien Parry diverte-se como a mãe insistente de Helen, e Jane How faz uma Lady Punnet formidável (aqui a personagem “à la Maggie Smith”, para os fãs do trabalho televisivo extremamente bem-sucedido de Mr Fellowes, que se sentirão mais do que em casa com esta produção). Gerard Carey compõe um vilão apropriadamente arrepiante como o futuro cunhado de Kipps, que desvia dinheiro, e depois faz dobragem como o fotógrafo de casamento tão camp quanto possível (naquele número!).

Alex Hope tem um impacto marcante como o socialista Sid Pornick e Bethany Huckle é uma Flo encantadoramente vivaz. E há um ótimo momento à West End de Ian Bartholomew como Chitterlow (foi visto mais recentemente neste mesmo teatro em “Mrs Henderson Presents”). Com um total de 24 elementos, o ensemble produz um som gloriosamente eficaz.

O coreógrafo Andrew Wright é um colaborador de confiança de Kavanagh, e o trabalho de ambos encaixa-se na perfeição. A dança é, claro, uma característica importante do brilhante filme de 1967 do musical, mas aqui não há longas sequências coreografadas: o movimento está ao serviço da narrativa. Assim, quando chega “Flash, Bang, Wallop!”, o público pode muito bem dar por si a ouvir pela primeira vez as letras inteligentes — e a desfrutar plenamente da experiência de as escutar tão pertinentemente declamadas na encenação perspicaz de Kavanagh e Wright deste número de arromba. E, acima de tudo, a banda de metais e sopros, com uma dúzia de elementos — tão apropriada para um coreto —, toca orquestrações vibrantes de William David Brohn (e Tom Kelly), incluindo arranjos de dança e vocais do próprio Stiles, sob a orientação segura de Graham Hurman (a supervisão musical é de Stephen Brooker). O som, de Mick Potter, parece favorecer o registo agudo e é próximo e algo projetado.

Em suma, esta colaboração entre o Chichester Festival Theatre e Cameron Mackintosh é uma reposição esplendidamente elegante de um clássico muito acarinhado, oferecendo um novo olhar sobre uma das maiores partituras de musical britânico alguma vez escritas, e incorporando muita escrita nova de grande qualidade por parte de alguns dos criativos mais experientes do meio. É um prazer.

Fotografias: Manual Harlan

RESERVE JÁ HALF A SIXPENCE