CRITIQUE : Half A Sixpence, Théâtre Noël Coward ✭✭✭✭

Half A Sixpence

Théâtre Noel Coward

14 novembre 2016

4 étoiles

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H G Wells est l'un des mythologues de l'ère moderne, et son histoire à la Candide d'un héros orphelin, de couples mal assortis, d'enrichissement soudain et de ré-appauvrissement tout aussi inattendu, sous la supervision d'un destin arbitraire et capricieux, est l'un des joyaux de sa légation d'archétypes qui décrivent le monde que nous connaissons. Arthur Kipps, le protagoniste de cette histoire prudente sur le pouvoir de l'argent, est une figure extrêmement populaire et a fasciné les adaptateurs pour la scène et l'écran depuis sa première apparition en 1905. De manière durable, le véhicule écrit pour Tommy Steele en 1963, empli de magnifiques chansons de David Heneker (né lui-même juste un an après la première publication de l'histoire), a bien pris place dans l'imagination populaire, et c'est par cette version que les adaptateurs actuels ont choisi de revisiter la fable de Wells.

Si vous aimez le glamour, vous trouverez cette production - conçue par Paul Brown - tout simplement irrésistible. Le décor séduisant de kiosque à musique, avec doubles révolutions, accueille un défilé de modes de la fin de l'époque édouardienne qui semblent tout droit sorties des pages du Yellow Book. L'ivoire domine le premier acte, avec une ouverture du deuxième acte étonnante en jaune et noir somptueux, rappelant l'acier de Toledo ou le salon de la maison de Sir John Soane. Paule Constable éclaire tout pour montrer ces tenues sous leur meilleur jour : au théâtre de l'époque, les gens sortaient pour voir les dernières modes, et nous ne sommes pas déçus ici.

La direction légère et rapide de Rachel Kavanagh semble prendre son inspiration de ce point de départ : la vie de chacun est une performance, un spectacle, même si cela consiste simplement à prendre des photos lors d'un mariage, ou à arriver à la réception sur une motocyclette moderne : le langage visuel adopté par chaque personnage est un élément vital, peut-être le plus vital, de leur personnalité. Cela est particulièrement évident chez l'acteur principal, le nouvel arrivant Charlie Stemp, dont la transformation d'apprenti drapier à gentleman de moyens est exécutée dans le meilleur style Sartor Resartus, directement sur son lieu de travail. Ses vêtements de travail ternes sont ôtés, et un costume à carreaux élégant et plutôt voyant avec un gilet crème et une paire de chaussures neuves flambant neuves sont enfilés. Autour de lui, le reste du personnel reste inchangé, tandis qu'il peut désormais exiger d'être appelé 'Monsieur' par le propriétaire impérieux, son ancien employeur, qui semble visiblement écrasé alors que le code social implacable pèse sur lui. Sous le rêve enjoué de l'histoire, la réalité accueillante n'est jamais loin.

La partition de Heneker, le dernier musical britannique à avoir été transféré avec succès à Broadway (en 1965) avant l'avènement d'un monde entièrement différent d'«Evita» et de «Cats», gonfle cette histoire de beauté mélodique et d'invention lyrique : tout le monde semble intelligent, sophistiqué, chaleureux et affectueux. La plupart de ce qu'il a écrit est présenté ici, mais les nouveaux auteurs, George Stiles et Anthony Drewe, ont retravaillé les morceaux pour s'adapter à un livre en grande partie nouveau de Julian Fellowes : plus ou moins la même intrigue est ici, mais il y a considérablement plus de ce que Arnold Bennett a décrit comme la 'hostilité féroce' de Wells envers tous les personnages sauf Kipps. Et Dieu merci. C'est ce dont les comédies musicales du passé ont souvent besoin mais qu'elles reçoivent si rarement : des livres qui s'adaptent plus adéquatement aux goûts contemporains. La morsure des motifs plus sombres de tant de personnages - qu'ils soient conscients ou involontaires - donne à cette œuvre beaucoup plus d'attraits, tempérant sa douceur avec un réalisme astucieux et terreux.

Stiles et Drewe contribuent également huit chansons entièrement nouvelles à la pièce, y compris le magnifique hit ragtime, «Choisissez une simple mélodie», mais il serait difficile de savoir quels morceaux sont les leurs, tant ils se fondent parfaitement avec le matériel réutilisé. Personnellement, la présence d'«Efficacité», qui n'a pas survécu à la réécriture, m'a manqué, mais le nouveau morceau qui le remplace, «Regardez vivant», crée beaucoup plus de vitesse et de dynamisme dans les premières étapes de l'intrigue avec un plus grand sens de, hum, efficience. Cela est caractéristique. Toutes les décisions ont été prises dans l'intérêt de raconter l'histoire.

En ce qui concerne le casting, la décision a été prise de placer un débutant de l'industrie au centre de ce travail exigeant : il doit chanter, et souvent porter, 20 des 23 numéros musicaux. Il est très jeune et un danseur athlétique très impressionnant ; il a une voix agréable. Ses filles, Ann la fille ouvrière (Devon-Elise Johnson) et Helen la fille riche (Emma Williams), sont bien contrastées. Vivien Parry s'amuse en mère intrusive d'Helen, et Jane How fait une redoutable Lady Punnet (le personnage type Maggie-Smith ici, pour les adeptes du travail télévisuel de Mr Fellowes, qui se sentiront plus que chez eux avec cette production). Gerard Carey joue le méchant glaçant du beau-frère potentiel détourneur de fonds de Kipps, et double ensuite en photographe de mariage camp comme Noël (dans 'ce' numéro !).

Alex Hope fait un impact significatif en tant que socialiste Sid Pornick et Bethany Huckle est une Flo charmante et vivace. Et il y a une belle performance de West End par Ian Bartholomew en Chitterlow (il a été vu pour la dernière fois dans ce même théâtre dans «Mrs Henderson Presents»). Avec une force complète de 24, l'ensemble produit un son délicieusement efficace.

Le chorégraphe Andrew Wright est un collaborateur de confiance de Kavanagh, et leur travail se marie magnifiquement. La danse est, bien sûr, une caractéristique majeure du brillant film musical de 1967, mais ici, il n'y a pas de longues séquences chorégraphiées : le mouvement est mis au service du récit. Donc, maintenant, quand 'Flash, Bang, Wallop!' arrive, le public peut bien se retrouver à réellement écouter les paroles intelligentes pour la première fois, et à apprécier pleinement l'expérience de les entendre si pertinemment déclamées dans la mise en scène perspicace de Kavanagh et Wright du numéro spectaculaire. Et surtout, l'orchestre de cuivres et de vents de douze musiciens - si approprié pour un kiosque à musique - joue des orchestrations dynamiques de William David Brohn (et Tom Kelly), y compris des arrangements de danse et vocaux de Stiles lui-même, sous la direction sûre de Graham Hurman (supervision musicale par Stephen Brooker). Le son, par Mick Potter, semble favoriser le registre aigu et est proche et quelque peu avancé.

Dans l'ensemble, cette collaboration entre le Chichester Festival Theatre et Cameron Mackintosh est une splendide et élégante reprise d'une histoire classique très aimée, offrant un regard neuf sur l'un des plus grands scores de comédie musicale britannique jamais écrits, et incorporant beaucoup d'écriture nouvelle fine par certains des créatifs les plus expérimentés de l'industrie. C'est un plaisir.

Photos : Manual Harlan

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