RESEÑA: ¡Oh Qué Guerra Tan Hermosa!, Teatro de Richmond (Gira) ✭✭✭✭

Wendi Peters y el reparto de Oh What A Lovely War. Foto: Alastair Muir Oh, What A Lovely War

Richmond Theatre, como parte de la gira por el Reino Unido

12 de febrero de 2015

4 estrellas

Es temporada de caza de urogallos. En algún lugar frondoso, privilegiado y de propiedad privada en Escocia, en algún momento a mediados de la Primera Guerra Mundial. Un grupo de hombres de negocios de todo el mundo se ha reunido para pasar un buen rato. Un alemán, un francés, un estadounidense, un suizo y el anfitrión inglés. El guardabosques escocés está presente para asegurarse de que se cumplan sus caprichos. Todos son traficantes de armas o banqueros. Gente que hizo dinero, mucho dinero, gracias a la guerra interminable.

Presumen de la mercancía que están enviando por todo el mundo, colándola detrás o a través de las líneas enemigas. Hablan con admiración de las nuevas armas, las granadas con ácido, los gases venenosos que están desarrollando y vendiendo. Se ríen del dinero que están ganando y seguirán ganando, y se indignan ante cualquier mención de la Paz: quieren que la guerra se alargue y se alargue, como un musical del West End. El banquero suizo insiste en su neutralidad. El escocés se encarga de soltar los urogallos para su placer de disparar, pero no teme recordar a su amo que sus seis hijos están en el Frente. Pero para los tiradores, sus hijos —como todos los soldados de todos los bandos— son lo mismo que los urogallos: carne de cañón para abatir en beneficio propio.

Es una escena poderosa e inquietante; brutal por su honestidad y por la interpretación seca, sin adornos. Es una de varias secuencias impactantes y magníficamente interpretadas en la reposición de Oh What A Lovely War dirigida por Terry Johnson, producida originalmente por el Theatre Royal Stratford East para conmemorar el 50.º aniversario de la producción original de la obra por esa compañía.

Oh What A Lovely War es una creación colectiva de entretenimiento musical; fue concebida por el revolucionario Theatre Workshop de Joan Littlewood, Charles Chilton, Gerry Raffles y miembros del reparto original. En su momento, debió de ser confrontativa y asombrosa. Sus cualidades pioneras se han difuminado con el tiempo, y el terreno que abrió hace 50 años se ha vuelto a recorrer una y otra vez: el tema ha inspirado innumerables obras artísticas que cuestionan el sentido, la lógica y las consecuencias de la guerra. Blackadder Goes Forth es solo un ejemplo.

Aun así, la obra sigue siendo de gran relevancia y, al menos en un aspecto, hoy tiene más fuerza que nunca. Es una mezcla de sketches, chistes, canciones de music hall, escenas dramáticas y canciones de guerra que desemboca en una conflagración de verdades conmovedoras y una nostalgia brumosa. Ligadas a esa nostalgia —con una especie de aprobación interna casi programada para el público— están las nociones de Imperio, orgullo nacional y sacrificio desinteresado. El tiempo las ha unido de forma inseparable.

Esta singular combinación plantea preguntas difíciles al público: ¿te alistarías voluntariamente para luchar en una guerra? ¿Eres pacifista? ¿Qué opinas del servicio militar obligatorio? Si se aprobara una nueva ley de reclutamiento, ¿alguien la acataría? ¿Qué formación tienen hoy los oficiales de las Fuerzas Armadas? ¿Consideran los líderes modernos a los soldados rasos como simples lemmings? ¿Es la muerte en el frente más o menos trágica que morir por negarse a empuñar un arma contra otro ser humano, sea cual sea la causa? ¿Le importa a la sociedad actual “Inglaterra” y sería algo por lo que valdría la pena luchar? ¿Habrá alguna vez una “guerra que acabe con todas las guerras”? ¿Se sigue beneficiando gente de la fabricación de armas?

Estas cuestiones se vuelven cada vez más palpables a medida que avanza la función. A medida que canción tras canción —todas conocidas— se presenta de forma seductora, mientras el público se pone a cantar, aplaudir y marcar el ritmo —en otras palabras, a alistarse—, una molesta incomodidad se extiende como el sarampión. Parece una diversión estupenda, pero tiene un reverso profundamente perturbador, aunque innegablemente acertado: un horror crudo y visceral.

La producción de Johnson se deleita en su mensaje. El ingenioso diseño escénico multimedia de Les Brotherson ayuda enormemente. Se pueden proyectar o reproducir imágenes reales en una pantalla, contraponiendo la cruda realidad a la troupe de intérpretes tipo Pierrot y sus travesuras. En la parte superior del fondo del escenario, un gran marcador electrónico, torcido y vacilante, va desplegando datos y cifras devastadores sobre las vidas perdidas y el número de heridos: información muy sobrecogedora. Enmarcadas por esas imágenes y hechos reales, las travesuras de la troupe representan la propaganda bélica en su forma más eficaz: una pátina de valentía, orgullo nacional y buen humor que cubre la realidad devastadora, desnuda y sin adornos.

La guerra en sí —y los políticos y comerciantes que se benefician de ella, ya sea personal o profesionalmente, especialmente a costa de vidas reales— son los verdaderos villanos aquí. Y con razón. La producción se esfuerza por garantizar que las personas implicadas en la batalla no se retraten como los malos. Hay una escena muy inteligente en la que dos mujeres británicas comentan las novedades de la guerra y, momentos después, vemos a dos mujeres alemanas hablando de los mismos asuntos. La misma guerra, bandos distintos, los mismos problemas.

Esta visión equilibrada del coste personal de la guerra se subraya en varios de los momentos más potentes del montaje. Una escena notable muestra a soldados franceses que intentan negarse a obedecer una orden porque, si lo hacen, no serán más que ovejas camino del matadero. Sus desafiantes “beee” son a la vez cómicos e indudablemente trágicos.

Otra escena presenta a un grupo de soldados irlandeses que, al encontrarse en el lugar equivocado, reciben la orden de regresar por donde han venido, pero saben que hacerlo supondrá una muerte segura. Ante el miedo a morir por un consejo de guerra si desobedecen una orden absurda o la posible muerte a manos de un francotirador, se enfrentan a una elección imposible. Es un material contundente y estremecedor.

La obra también aborda aquella primera Navidad en el Frente, cuando las tropas británicas oyeron por primera vez Noche de paz cantada desde las trincheras, y se declaró una tregua durante uno o dos días: no se disparó ni un tiro y hombres de bandos opuestos intercambiaron regalos y saludos con sus adversarios. El tratamiento de ese momento tan evocador de la historia es cuidadoso y casi mágico: en medio de una guerra mortal, la humanidad del hombre hacia el hombre. En una escena breve y preciosa, esta producción consigue lo que la reciente versión de la RSC de más de dos horas (The Christmas Truce) no logró.

Pero no todo es densidad. Hay muchas risas por el camino y algunas interpretaciones realmente encantadoras de canciones y bailes. La coreografía de Lynne Page es ágil y alegre, y el reparto la ejecuta con limpieza y disfrute. La parte musical está en manos muy seguras —Mike Dixon y Peter White— y el acompañamiento resulta animado y apropiado.

El excelente reparto hace justicia al material y puede girar en un instante de momentos de dura solemnidad a oportunidades para un tono más ligero. Todo el mundo cumple con lo que se le exige, y más que de sobra. Es una compañía de primera haciendo un trabajo de primer nivel.

Hay, inevitablemente, algunas interpretaciones que destacan: Marcus Ellard, Wendi Peters, Matthew Malthouse, Christopher Villiers, Emma Crossley, Richard Glaves y Mark Prendergast; todos brillan en distintos momentos por diferentes razones.

Algunas de las invitaciones al público para participar, al estilo del music hall de antaño con las luces de sala encendidas, parecen forzadas, no funcionan del todo y le quitan un poco de brillo al trabajo pulido de las escenas ensayadas. La rutina de “calentamiento” previa a la función es totalmente contraproducente. Aunque resulta molesto, no socava seriamente el disfrute ni el sentido de la producción.

Oh What A Lovely War sigue siendo una pieza teatral extraordinaria. Sorprendentemente, la edad y los cambios del mundo no le han arrebatado relevancia ni mordiente. Un gran reparto y una estupenda producción hacen que sea una visita al teatro muy recomendable, llena de diversión y reflexión.

FECHAS DE LA GIRA 2015 DE OH WHAT A LOVELY WAR

Richmond Theatre

10 – 14 de febrero de 2015

The Green, Richmond, Surrey TW9 1QJ

RESERVA ONLINE AHORA Malvern Theatres

16 – 21 de febrero de 2015

Grange Rd, Malvern, Worcestershire WR14 3HB

RESERVA ONLINE AHORA Opera House Manchester

24 – 28 de febrero de 2015

3 Quay St, Manchester, Lancashire M3 3HP

RESERVA ONLINE AHORA Cambridge Arts Theatre

2 – 7 de marzo de 2015

6 St Edward’s Passage, Cambridge CB2 3PJ

RESERVA ONLINE AHORA Theatre Royal, Bath

9 – 14 de marzo de 2015

Saw Close, Bath BA1 1ET

RESERVA ONLINE AHORA Princess Theatre, Torquay

17 – 21 de marzo de 2015

Torbay Rd, Torquay, Devon TQ2 5EZ

RESERVA ONLINE AHORA Yvonne Arnaud Theatre, Guildford

23 – 28 de marzo de 2015

Millbrook, Guildford, Surrey GU1 3UX

RESERVA ONLINE AHORA Belgrade Theatre, Coventry

30 de marzo – 4 de abril de 2015

Belgrade Square, Coventry, CV1 1GS

RESERVA ONLINE AHORA Theatre Royal, Brighton

7 – 11 de abril de 2015

New Rd, Brighton, East Sussex BN1 1SD

RESERVA ONLINE AHORA Leicester Curve

13 – 18 de abril de 2015

60 Rutland St, Leicester LE1 1SB

RESERVA ONLINE AHORA Aylesbury Waterside Theatre

28 de abril – 2 de mayo de 2015

Exchange Street, Aylesbury, Buckinghamshire HP20 1UG

RESERVA ONLINE AHORA Birmingham Rep Theatre

5 – 9 de mayo de 2015

Broad St, Birmingham, West Midlands B1 2EP

RESERVA ONLINE AHORA Hall For Cornwall,Truro

11 – 16 de mayo de 2015

Back Quay, Truro, Cornwall TR1 2LL

RESERVA ONLINE AHORA Hull New Theatre

19 – 23 de mayo de 2015

Kingston Square, Hull HU1 3HF

RESERVA ONLINE AHORA New Wimbledon Theatre, London

26 -30 de mayo de 2015

93 The Broadway, London SW19 1QG

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