CRITIQUE : Oh What A Lovely War!, Théâtre de Richmond (En tournée) ✭✭✭✭

Publié le

13 février 2015

Par

stephencollins

Wendi Peters et la troupe de Oh What A Lovely War. Photo : Alastair Muir Oh, What A Lovely War

Théâtre de Richmond, dans le cadre de la tournée au Royaume-Uni

12 février 2015

4 Étoiles

C'est la saison de la grouse. Quelque part dans un domaine luxueux, privilégié et privé en Écosse, pendant la Première Guerre mondiale. Un groupe d'hommes d'affaires du monde entier se sont réunis pour une partie de chasse. Un Allemand, un Français, un Américain, un Suisse et l'hôte britannique. Le gardien écossais est là pour s'assurer que tous les caprices sont satisfaits. Ils sont tous marchands d'armes ou banquiers. Des gens qui gagnent de l'argent, beaucoup d'argent, grâce à la guerre sans fin.

Ils se vantent des marchandises qu'ils expédient à travers le monde, en passant derrière ou à travers les lignes ennemies. Ils parlent avec admiration des nouvelles armes, des grenades agrémentées d'acide, des gaz toxiques qu'ils développent et vendent. Ils rient de l'argent qu'ils gagnent et continueront de gagner et s'indignent des discours de paix – ils veulent que la guerre continue, comme une comédie musicale du West End. Le banquier suisse insiste sur sa neutralité. L'Écossais s'assure que la grouse est lâchée pour leur plaisir de chasse, mais n'hésite pas à rappeler à son maître que ses six fils sont au Front. Mais pour les tireurs, ses fils, comme tous les soldats de tous les côtés, ne sont rien de plus que de la grouse : du fourrage à tirer pour leur gain personnel.

C'est une scène puissante et troublante ; brutale en raison de son honnêteté et de sa manière factuelle. C'est l'une des séquences remarquables et puissantes du renouveau de Oh What A Lovely War par Terry Johnson, initialement produit par le Theatre Royal Stratford East pour commémorer le 50e anniversaire de la production originale de la pièce par cette compagnie.

Oh What A Lovely War est une œuvre collaborative de divertissement musical ; elle a été créée par le Theatre Workshop révolutionnaire de Joan Littlewood, Charles Chilton, Gerry Raffles et les membres de la troupe originale. À l'époque, elle devait être confrontante et étonnante. Ses qualités novatrices se sont estompées au fil du temps, et le terrain neuf qu'elle a ouvert il y a 50 ans a été continuellement fouillé, le sujet d'innombrables œuvres artistiques qui remettent en question le sens, la logique et les conséquences de la guerre. Black Adder Goes Forth n'est qu'un exemple.

Néanmoins, l'œuvre revêt toujours une grande pertinence et, à certains égards, possède plus de pouvoir aujourd'hui qu'elle n'en a jamais eu. C'est une combinaison de sketches, de blagues, de chansons du music-hall, de scènes dramatiques et de chansons de guerre qui aboutit à une confluence de vérités poignantes et de nostalgie brumeuse. Liées à la nostalgie, avec une sorte d'approbation interne et automatique pour le public, se trouvent des notions d'Empire, de fierté nationale et de sacrifice désintéressé. Le temps les a rendues inextricablement liées.

Cette occurrence singulière suscite des questions difficiles pour le public : Vous engageriez-vous volontairement pour faire la guerre ? Êtes-vous pacifiste ? Que pensez-vous de la conscription ? Si une nouvelle loi de conscription était votée, est-ce que quelqu'un s'y conformerait ? Quelles qualifications les officiers des forces armées possèdent-ils aujourd'hui ? Les leaders modernes considèrent-ils les soldats de base comme tant de lemmings ? La mort sur un front de guerre est-elle plus ou moins tragique que la mort pour avoir refusé de porter les armes contre un autre être humain, quelle que soit la cause ? La société moderne se soucie-t-elle de « l'Angleterre » et serait-ce quelque chose qui mérite de se battre pour ? Y aura-t-il jamais une « guerre pour mettre fin à toutes les guerres » ? Les gens tirent-ils encore profit de la fabrication d'armes ?

Ces questions deviennent de plus en plus tangibles au fur et à mesure que la performance avance. À mesure que chanson familière après chanson familière est présente de manière fascinante, que le public commence à chanter, à applaudir, à tapoter - à s'inscrire en d'autres termes - un sentiment croissant de malaise irritant se propage comme la rougeole. Cela peut sembler amusant, mais cela a un envers profondément troublant, mais indéniablement pertinent, d'horreur viscérale brute.

La production de Johnson s'enorgueillit de son message. Le design ingénieux du décor multi-média de Les Brotherson est d'une grande aide. Des images réelles peuvent être projetées ou jouées sur un écran, juxtaposant la réalité sinistre à la troupe de performers du Pierrot et leurs pitreries. Au-dessus de la scène, un grand bandeau électronique bancal affiche des faits et des chiffres dévastateurs sur les pertes de vies et le nombre de blessés – des informations très sobres. Contextualisées par ces images et ces faits réels, les pitreries de la troupe de performers représentent la propagande de guerre à son paroxysme : une couche d'héroïsme, de fierté nationale et de joie de vivre recouvrant la réalité dévastatrice sans fard.

La guerre elle-même, ainsi que les politiciens et les marchands qui en profitent, que ce soit personnellement ou professionnellement, surtout au prix de vies réelles, sont les véritables méchants ici. À juste titre. La production met un point d'honneur à s'assurer que les humains impliqués dans la bataille ne soient pas dépeints comme des méchants. Il y a une scène astucieuse où deux femmes britanniques discutent des évolutions de la guerre et, quelques instants plus tard, deux femmes allemandes discutent les mêmes problèmes. Même guerre, camps différents, mêmes problèmes.

Cette équité sur le coût personnel de la guerre est soulignée dans plusieurs des moments les plus puissants de la production. Une scène remarquable représente des soldats français qui cherchent à refuser d'obéir à un ordre car ils ne feront rien d'autre que des moutons conduits à l'abattage s'ils le font. Leurs « béé » défiants sont à la fois comiques et indéniablement tragiques.

Une autre scène montre un groupe de soldats irlandais qui, se trouvant au mauvais endroit, reçoivent l'ordre de retourner d'où ils viennent - mais ils savent que cela signifiera une mort certaine. Face à la peur de la mort par conseil de guerre pour désobéissance à un ordre stupide ou à une possible mort par tireur d'élite, ils ont un choix impossible à faire. C’est un matériau sobre et puissant.

La pièce traite également de ce premier Noël au Front, lorsque les troupes britanniques ont entendu pour la première fois Silence de Nuit chanté à travers les tranchées, et une trêve a été déclarée pour un jour ou deux, où aucun coup de feu n’a été tiré et des hommes des camps opposés ont échangé des cadeaux et des salutations avec leurs adversaires. Le traitement de ce moment évocateur de l'histoire est soigneux et presque magique - en pleine guerre mortelle, l'humanité de l'homme pour l'homme. En une scène courte et belle, cette production réussit là où la récente version de 2 heures et plus du RSC (La Trêve de Noël) n'a pas pu.

Mais tout ne va pas sans encombre. Il y a beaucoup de rires en chemin et certaines interprétations vraiment délicieuses de chansons et danses. La chorégraphie de Lynne Page est vive et joyeuse et la troupe l'exécute proprement et avec plaisir. Les aspects musicaux de la production sont entre de très bonnes mains – Mike Dixon et Peter White – et l'accompagnement est joyeux et approprié.

La troupe excellente rend justice au matériel et peut passer en un clin d'œil de moments de dure solennité à des occasions plus légères. Chacun peut faire ce qui est demandé et plus que de manière adéquate. C’est une troupe de haut niveau qui fait un travail de premier ordre.

Il y a, inévitablement, quelques vedettes : Marcus Ellard, Wendi Peters, Matthew Malthouse, Christopher Villiers, Emma Crossley, Richard Glaves et Mark Prendergast ; tous brillent à différents moments pour différentes raisons.

Certaines des invitations au public à participer, à la manière des music-halls d'antan avec les lumières de l'auditorium allumées, semblent forcées, ne fonctionnent pas vraiment, et enlèvent un peu de charme au travail poli des scènes répétées. La routine de « réchauffement » avant le spectacle est complètement contre-productive. Bien que cela soit gênant, cela ne compromet pas sérieusement le plaisir et le sens de la production.

Oh What A Lovely War est encore une pièce de théâtre remarquable. Étonnamment, l'âge et les changements dans le monde ne lui ont pas enlevé sa pertinence ou son piquant. Une grande troupe et une production bien faite en font un moment très précieux au théâtre, plein de plaisir et de réflexion.