CRITIQUE : Pinocchio, Théâtre National ✭✭✭

Pinocchio

Théâtre National,

13 décembre 2017

3 Étoiles

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Le Théâtre National mérite notre admiration et notre encouragement pour chercher sans relâche, chaque saison de Noël, une nouvelle façon de nous divertir au-delà du régime conventionnel des pantos, ballets et la marche incessante de l'Industrie Dickens. Parmi les délices proposés ici ces dernières années, il y a eu de véritables découvertes, des merveilles comme ‘Nation’ et ‘Peter Pan’. Certes, il y a aussi eu quelques expériences nobles qui n'ont pas donné de résultats aussi à 100% (comme pourrait le dire Ofsted), et il reste à voir si cette offre actuelle se classera dans la première ou la seconde catégorie.

Ce que nous avons vu lors de la Soirée de Presse hier soir semble suggérer la dernière. Cependant, commençons par les points positifs. Il y a une incursion dans un beau décor de scène, signé Bob Crowley; cependant, même lui semble avoir épuisé son budget, avec un peu qui semble demandé à s'étirer sur une longue distance, et un usage fréquent est fait d'une grappe d'escabeaux (rappelant des productions par certains autres metteurs en scène). Plus à ce sujet dans un instant. L'éclairage, par Paule Constable, est intellectuel plutôt que tape-à-l'œil : au début, par exemple, nous pourrions bien être dans le territoire d'Ibsen, et à son plus sombre. Le metteur en scène, John Tiffany, sera toujours rappelé pour sa réalisation magnifique de productions superbes, comme ‘Once’ et ‘Harry Potter et l'Enfant Maudit’. Ici, il semble sur un terrain moins certain, et la cause principale de cela repose peut-être bien dans le script.

Dennis Kelly est officiellement désigné comme le ‘dramaturge’ de cette œuvre, mais cela ne s'inscrit que partiellement dans l'histoire. Il a le mandat intéressant – et c'est un défi – d'utiliser la partition musicale originale écrite pour l'animation Disney de la fin des années 1930. L'adaptateur musical, superviseur et orchestrateur, Martin Lowe, a considérablement enrichi ce qui était disponible, pillant également dans une sélection de matériel jusqu'alors inédit et puisant généreusement dans un répertoire de chansons folkloriques italiennes et alpines plus ou moins régionales, pour fabriquer un monde sonore complexe qui habite simultanément plusieurs mondes différents.

La musique est une influence si puissante sur tout cela qu'elle fournit à la production un problème quasi insoluble : comment donner un sens à un patchwork de genres et de styles si varié ? Le metteur en scène et le designer font ce qu'ils peuvent, tandis que le directeur du ‘mouvement’, Steven Hoggett, tente vaillamment de trouver un langage physique approprié pour unifier les éléments disparates. Crowley fait également un usage fréquent (mais inégal) de la marionnette, de divers types : quatre des personnages secondaires – Geppetto, le fabricant de marionnettes (un rugueux Mark Hadfield) ; la Fée Bleue (une Annette McLaughlin douce mais plutôt froide); Stromboli, le propriétaire du théâtre de marionnettes (Gershwyn Eustache Jnr, servant une caricature d'Oncle Tom grotesque, bien plus Papa Lazaroo qu'il n'est tolérable pour ce critique sensible), et le Cocher, qui emmène les enfants désobéissants vers l'île du plaisir pour être gâtés et transformés en ânes (David Kirkbride) reçoivent tous ce traitement.

Kirkbride offre en fait une performance bien nuancée et modulée, mais peu de cela transparaît à travers le rictus figé peint sur la tête géante qu'il est contraint de porter au-dessus de lui presque tout au long de sa performance, un peu comme un Christ dans une Passion à Oberammergau qui doit accomplir toute la procédure en tenant sa croix des deux mains. Les jouets carnavalesques deviennent une distraction irritante et écrasante, même s'ils ont bien pu consommer la majeure partie des fonds alloués au design. Oh, et chacun doit être transporté par sa propre ‘équipe dédiée’ de manipulateurs et opérateurs, faisant ressembler la scène à l'une de ces compétitions de la Passion qui animent les rues de certaines villes italiennes particulièrement pieuses – principalement dans le Sud du pays. Mais aident-ils à raconter l'histoire ?

De même, il y a des personnages qui échappent à ce fardeau. Le renard rusé - un autre exemple de perpétuation de stéréotype - est David Langham, qui rôde dans un grand manteau souple, avec une queue touffue pas très crédible qui sort de temps en temps de ses plis. Contrairement à la majorité des autres personnages, qui semblent parler comme si leurs personnalités avaient été passées à travers plusieurs tamis du Code Hays, il ressemble aux ‘comiques alternatifs’ de la fin du 20e siècle. D'autre part, l'urbain et élégant Jiminy Cricket, seul de tous les personnage, semble provenir de ce millénaire (et si vous prévoyez d'assister à cette présentation avec des enfants, ils seront probablement les plus séduits par ce personnage). Il est transformé en animal de compagnie de la taille d'un chat, traîné sur scène par deux membres de l'ensemble en tenue de yokel, dont l'un, Audrey Brisson, doit lui donner voix depuis sous un fichu paysan traditionnel. Pourquoi ?

Audrey Brisson (Jiminy Cricket), James Charlton (marionnettiste de Jiminy Cricket) et Joe Idris-Roberts dans le rôle de Pinocchio dans Pinocchio

Qui peut savoir. Le moins dans l'indice à ce propos doit être le casting «humain» de taille normale, avec une Lampy féminine (Lampwick) étant Dawn Sievewright, demandée à répéter sa performance de l'Écossaise coriace d'un certain autre divertissement musical récent (cela dit, quand quelqu'un fera le musical de ‘Million Dollar Babe’ – et si cela n'est pas déjà arrivé, alors ce n'est qu'une question de temps – elle va obtenir le rôle principal : son crochet du droit doit être vu pour être cru). Le tout aussi monodimensionnel Waxy est Jack North, et le reste de la bande est comblé par Trieve Blackwood-Cambridge, Anabel Kutay, Clemmie Sveaas et le superbe Jack Wolfe (gâché dans l'inconséquence). Mon intuition est, et ce n'est qu'une supposition, Tiffany avait tellement de migraines à essayer de résoudre les cauchemars techniques de la production qu'il a tout simplement manqué de temps pour détailler le reste de la production comme cela aurait vraiment, vraiment besoin.

Il en va de même pour les chorégraphies. Malgré une partition dominée par certains des airs Disney les plus connus jamais écrits – et s'en emparer est un véritable grand coup pour cette maison, Hoggett semble totalement perdu quant à ce qu'il doit faire avec son casting lorsqu'ils jouent. Un bon exemple de ceci est le ‘nouveau’ numéro de ‘Fun and Fancy Free’, un quick-step assourdissant, qui est mis en scène à plusieurs kilomètres de cette forme de danse facilement identifiable : pour les amateurs de théâtre qui ont cloué leurs ailes culturelles au sol et été gavés de ‘Strictly’ pendant Dieu sait combien d'années, c'est un mouvement plutôt radical. Je suppose que pour beaucoup, la tentation de tweeter à propos de cette hérésie à Len pourrait s'avérer trop forte à résister.

Quant au son... Eh bien, le designer Simon Baker est un maître de son métier. Cela ne peut être qu'une confluence de malchances qui a créé l'effet final de ses amplifications sonnant pour tout l'auditoire comme si elles émanaient d'un placard situé dans un bâtiment voisin, plutôt que de la scène directement devant nous. Oh, oui, et qu'en est-il de cette fente étrange sur le devant de la scène ? Il m'a fallu – et je vais assez souvent au théâtre – bien dans la seconde moitié pour découvrir qu'elle sert de fosse, dans laquelle ont été versés les talents de pas moins de quinze excellents musiciens. Maintenant, le Lyttelton n'est pas le Royal Festival Hall, un espace qui peut facilement être rempli par précisément ce nombre de musiciens et sans l'assistance d'amplification. Alors, pourquoi est-ce nécessaire ici ? C'est un orchestre de chambre conventionnel : bois solo, cuivres, percussions et cordes, avec un clavier ajouté. L'acoustique de cet espace est-elle si atroce qu'elle a besoin d'un coup de pouce avec des micros ? Peut-être qu'elle l'est. Tom Brady fait un bon travail avec la partition intéressante et savamment compilée, avec ses va-et-vient entre styles non apparentés. Ce serait bien d'entendre son travail correctement. Et plus captivant. La projection sonore plate et semblable à une boîte disponible ici, malheureusement, souvent qu'autrement, écrase ses détails soigneusement nuancés dans un gâchis boueux.

L'élément auquel j'ai accordé le moins d'attention jusqu'à présent est le plus grand des mystères : le rôle principal. Joe Idris-Roberts est un acteur très accompli (je l'ai vu récemment au Bunker, et il était très impressionnant également). Il a certainement une belle silhouette, qu'il montre à son avantage pendant une bonne partie de la première moitié. Il a une voix agréable, mais – comme la plupart de la compagnie ici – il ne semble pas avoir été choisi pour sa capacité à bien chanter le répertoire du livre de chansons populaires américaines des années 1930. Sur la base de ce que nous voyons ici, il peut ‘bouger’, mais il n'est pas vraiment demandé de ‘danser’, même si, comme je l'ai noté ci-dessus, la musique semble constamment essayer de pousser les personnages à faire exactement cela. Ses mouvements, comme ceux qui l'entourent, sont plutôt plus athlétiques qu'expressifs ou interprétatifs. Mise à part tout cela, il semble y avoir un problème beaucoup plus grand et plus difficile à résoudre à affronter ici.

Si vous demandez à quiconque, vraiment quiconque, de ‘dessiner’ une image de ce que Disney ‘signifie’, pour eux et pour le monde, ils ignoreraient probablement tout ce dont j'ai parlé jusqu'ici. Cependant, ils seraient capables de tenter de dessiner une seule chose, ou de crier leur déception face à leur incapacité à la dessiner : un visage. Ce pourrait être le visage de Mickey, de Donald, de Dingo, ou l'un des autres personnages bien connus de la franchise. Et l'élément le plus important du visage serait les yeux. Disney, après avoir montré au monde la perfection en porcelaine de Blanche-Neige dans son premier long métrage d'animation, a réalisé qu'il ne pouvait pas répéter ce tour : il avait besoin de personnages avec lesquels le public pouvait sympathiser dans les gros plans impitoyables des salles d'exposition. Et donc, il a doté sa vision du jouet en bois fait de chair des yeux les plus expressifs qu'il puisse trouver : ceux de Vivien Leigh. Allez regarder le film à nouveau, et vous verrez ses sourcils partout. Et c'est avec cette expressivité même que nous, en tant que public, nous connectons. Qui se soucie du spectacle ? Seuls les techniciens. Donnez-nous les histoires humaines de désirs personnels et de passions, de vulnérabilités et de forces, de vertus et de vices, et nous aimerons les héros qui nous emmènent dans leurs aventures pour les explorer. Ce n'est pas la faute d'Idris-Roberts si cette propriété ne lui donne pas – tout à fait – l'ampleur et la profondeur dont il a besoin pour nous rapprocher de son cœur.

Alors, qu'est-ce qui se cache derrière tout ça ? Honnêtement, si le National n'avait pas eu un tel succès artistique et commercial fulgurant avec ‘War Horse’ (et personne ne devrait être le moins du monde surpris d'apprendre que c'était l'ancien domaine de nombreux membres de cette compagnie), alors je me demande si nous aurions vu une telle prolifération d'autres spectacles utilisant un gadget similaire ? Juste une réflexion.

Tel qu'il est, ce n'est pas encore fini tant que ce n'est pas fini, et l'équipe de production peut bien apporter de nombreuses améliorations radicales à cette entreprise. Ne perdons pas de vue, s'il vous plaît, que même le grand triomphe de la branche de la marionnette du théâtre, l'histoire d'un cheval fait de bâtons, a failli échouer : la légende dit qu'il a fallu une sorte de miracle magique pour le sortir de l'échec et traverser cette frontière invisible mais si importante qui marque la définition du succès : si décisive, et si insaisissable. Tout le mérite revient au National d'avoir tenté une bonne tentative avec cet essai; il pourrait encore être fait pour fonctionner aussi bien que le spectacle le souhaite clairement. Mais il faudra plus de travail avant que cela n'arrive.

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Photos : Manuel Harlan