ELEŞTİRİ: Pinocchio, National Theatre ✭✭✭

Pinocchio

National Theatre,

13 Aralık 2017

3 Yıldız

Bilet Al

National Theatre; pantomimler, baleler ve bitmek bilmeyen Dickens uyarlamaları klasiğinin ötesine geçip bizi eğlendirmenin yeni yollarını bulmak adına her Noel sezonunda sergilediği yorulmak bilmez çaba için takdirimizi ve teşviğimizi hak ediyor. Geçtiğimiz birkaç yıl boyunca burada sunulan keyifli yapımlar arasında ‘Nation’ ve ‘Peter Pan’ gibi gerçek birer keşif olan harika işler vardı. Kuşkusuz, (müfettişlerin deyimiyle) %100 sonuç vermeyen ara sıra gerçekleşen soylu deneyler de oldu ve mevcut bu teklifin ilk mi yoksa ikinci kategoriye mi gireceğini zaman gösterecek.

Dün akşamki prömiyerde gördüklerimiz ikincisine işaret eder gibiydi. Ancak, olumlu yanlarından başlayalım. Bob Crowley'nin elinden çıkan şık bir sahne tasarımı girişimi var; yine de o bile bütçeyi tüketmiş gibi görünüyor, bazı kısımlar fazla zorlanmış hissettirirken (bazı yönetmenlerin prodüksiyonlarını anımsatan) bir dizi merdiven kullanımı oldukça yoğun. Buna birazdan değineceğim. Paule Constable imzalı ışıklandırma, gösterişten ziyade entelektüel bir derinliğe sahip: örneğin başlangıçta, kendimizi Ibsen'in en kasvetli topraklarında hissedebiliriz. Yönetmen John Tiffany, her zaman ‘Once’ ve ‘Harry Potter And The Cursed Child’ gibi muazzam yapımları hayata geçirmesiyle hatırlanacak. Burada ise daha belirsiz bir zeminde görünüyor ve bunun asıl sebebi senaryoda yatıyor olabilir.

Dennis Kelly bu eserin ‘oyun yazarı’ olarak resmen atanmış olsa da bu, hikayenin sadece bir parçası. Kendisine, 1930'ların sonundaki Disney animasyonu için yazılan orijinal müzikleri kullanmak gibi ilginç ve zorlu bir görev verilmiş. Müzik adaptörü, süpervizörü ve orkestratörü Martin Lowe, mevcut olanlara önemli eklemeler yapmış; henüz yayınlanmamış materyallerden seçkiler yağmalamış ve aynı anda birkaç farklı dünyada yaşayan karmaşık bir ses dünyası kurgulamak için İtalyan ve Alp halk müziği repartuarından cömertçe yararlanmış.

Müzik her şey üzerinde o kadar güçlü bir etkiye sahip ki bu durum yapım için neredeyse çözümsüz bir sorun yaratıyor: Bu kadar farklı tür ve tarzdaki yamalı bohça nasıl anlamlı kılınabilir? Yönetmen ve tasarımcı ellerinden geleni yaparken, ‘hareket’ yönetmeni Steven Hoggett bu farklı unsurları birleştirmek için uygun bir fiziksel dil bulmaya cesurca çalışıyor. Crowley ayrıca çeşitli türlerde kukla kullanımına da sık sık (ancak düzensizce) başvuruyor: yan karakterlerden dördü; kukla yapımcısı Geppetto (hırıltılı sesiyle Mark Hadfield), Mavi Peri (biraz mesafeli ama tatlı Annette McLaughlin), kukla tiyatrosu sahibi Stromboli (bu hassas eleştirmen için tahammül edilebilir sınırların ötesinde, Papa Lazaroo'yu andıran karikatürize bir stereotip sunan Gershwyn Eustache Jnr) ve yaramaz çocukları Zevk Adası'na eşek olmaları için götüren Arabacı (David Kirkbride) bu muameleyi görüyor.

Kirkbride aslında çok yönlü ve öykünülmüş bir performans sergiliyor, ancak performansının neredeyse tamamı boyunca başının üzerinde taşımak zorunda kaldığı o devasa kafaya boyanmış donuk, sırıtan ifade arasından bu performansın çok azı süzülebiliyor; sanki Oberammergau'daki Tutku Oyunu'nda İsa, tüm süreci haçını iki eliyle havada tutarak geçirmek zorundaymış gibi. Karnavalvari oyuncaklar, tasarım için ayrılan bütçenin aslan payını tüketmiş olsalar bile, can sıkıcı ve hissizleştirici bir dikkat dağıtıcıya dönüşüyorlar. Üstelik her birinin kendi 'özel ekibi' tarafından taşınması gerekiyor, bu da sahneyi özellikle dindar İtalyan kasabalarının sokaklarını canlandıran o dini geçit törenlerine benzetiyor. Peki, hikayeyi anlatmaya yardımcı oluyorlar mı?

Aynı şekilde, bu yükten kurtulan karakterler de var. Kurnaz Tilki —bir başka kalıplaşmış klişe örneği olarak— kat kat kıvrımları arasından zaman zaman pek de inandırıcı olmayan kabarık bir kuyruğun fırladığı, geniş tüylü bir paltoyla gezen David Langham. Kişilikleri birkaç sansür süzgecinden geçmiş gibi konuşan diğer karakterlerin aksine, Langham 20. yüzyıl sonunun ‘alternatif komedyenlerini’ andırıyor. Öte yandan, karakterler arasında sadece nazik ve şık Cırcır Böceği Jiminy bu milenyuma aitmiş gibi tınlıyor (ve eğer bu gösteriye çocuklarla gitmeyi planlıyorsanız, muhtemelen en ilgi çekici bulacakları karakter o olacaktır). Jiminy, kedi boyutunda bir evcil hayvana dönüştürülmüş ve köylü kıyafetli iki topluluk üyesi tarafından taşınırken, bunlardan biri olan Audrey Brisson, karakteri geleneksel bir köylü başörtüsünün altından seslendirmek zorunda kalıyor. Neden?

Pinocchio oyununda Audrey Brisson (Jiminy Cricket), James Charlton (Kuklacı) ve Joe Idris-Roberts (Pinocchio)

Bunu dünyada kim bilebilir ki? Bu konudaki en az ipucuna sahip olanlar normal boyutlardaki ‘insan’ kadrosu olmalı; Dawn Sievewright'ın canlandırdığı kadın Lampy (Lampwick) karakteri, başka bir yakın zaman müzikalindeki sert İskoç kızı tavrını tekrar etmesi istenmiş gibi (bunu demişken, birisi ‘Million Dollar Babe’in müzikalini yaptığında —ki henüz yapılmadıysa bu sadece an meselesidir— başrolü o alacaktır: sağ kroşesinin görülmesi gerek). Eşit derecede tek boyutlu olan Waxy'yi Jack North canlandırırken, çetenin geri kalanı Trieve Blackwood-Cambridge, Anabel Kutay, Clemmie Sveaas ve muhteşem Jack Wolfe (önemsizlikle boşa harcanmış) tarafından dolduruluyor. Tahminimce —ve bu sadece bir tahmin— Tiffany yapımın teknik kabuslarını çözmeye çalışırken o kadar çok başı ağrıdı ki, prodüksiyonun geri kalanını gerçekten ama gerçekten ihtiyaç duyduğu şekilde detaylandırmaya zamanı kalmadı.

Aynı durum koreografi için de geçerli. Disney'in bugüne kadar yazılmış en bilinen melodilerinden oluşan bir partisyona sahip olmasına —ki bunları kullanma hakkını almak bu tiyatro için büyük bir başarıdır— rağmen Hoggett, oyuncular sahnede çalarken onlarla ne yapacağı konusunda tamamen kaybolmuş görünüyor. Bunun iyi bir örneği, hızlı bir dans olan ‘Fun and Fancy Free’nin o kolayca tanınan dans formundan kilometrelerce uzakta sahnelenmesi: Yıllardır Lord bilir kaç yıl boyunca ‘Strictly’ (Yıldızlarla Dans) programına maruz kalmış tiyatro izleyicileri için bu biraz radikal bir hamle. Sanırım birçokları için bu sapkınlığı Twitter'da jüriye şikayet etme cazibesi direnilemeyecek kadar güçlü olabilir.

Sese gelince… Tasarımcı Simon Baker işinin ehli bir ustadır. Ancak seslerin tam önümüzdeki sahneden gelmek yerine, yandaki bir binadaki dolaptan yayılıyormuş gibi duyulması sadece talihsizliklerin bir araya gelmesiyle açıklanabilir. Sahi, sahne önündeki o garip yarık neyin nesi? Tiyatroya sık sık giden biri olmama rağmen, oranın en az on beş mükemmel müzisyenin yeteneğinin akıtıldığı bir çukur olduğunu anlamam ikinci yarıyı buldu. Şimdi, Lyttleton salonu bir Royal Festival Hall değil; orası tam olarak o sayıdaki müzisyenle ve amplifikasyon yardımı olmadan kolayca doldurulabilecek bir alan. Öyleyse burada neden ihtiyaç var? Bu geleneksel bir oda orkestrası: tek nefesli, bakır üflemeli, perküsyon, yaylılar ve bir klavye. Bu mekanın akustiği mikrofonlarla desteklenmeye ihtiyaç duyacak kadar mı feci? Belki de öyledir. Tom Brady, birbiriyle alakasız stiller arasındaki git-gelleriyle ilginç kurgulanmış müzikler üzerinde iyi bir iş çıkarıyor. Ancak çalışmasını düzgünce duymak güzel olurdu. Daha kapsayıcı olabilirdi. Ne yazık ki, buradaki kutu gibi basık ses projeksiyonu, çoğu zaman özenle işlediği detayları bir karmaşaya dönüştürüp eziyor.

Şu ana kadar en az üzerinde durduğum unsur, en büyük gizem: bașrol. Joe Idris-Roberts oldukça yetenekli bir oyuncu (kendisini yakın zamanda The Bunker'da izlemiştim ve çok etkileyiciydi). Kesinlikle iyi bir fiziği var ve bunu —Alaaddin gibi— ilk yarının büyük bir kısmında avantajına sergiliyor. Hoş bir sesi var ama —buradaki kumpanyanın çoğu gibi— 1930'ların Amerikan popüler şarkı repartuarını özellikle iyi söyleme yeteneği için seçilmemiş gibi. Gördüklerimize dayanarak ‘hareket edebildiğini’ söyleyebiliriz ama yukarıda belirttiğim gibi müzik sürekli karakterleri buna zorlasa da, ondan pek ‘dans etmesi’ istenmemiş. Hareketleri, etrafındakiler gibi, etkileyici veya yorumlayıcı olmaktan ziyade oldukça atletik. Tüm bunlar bir yana, burada boğuşulması gereken çok daha büyük ve çözülmesi daha zor bir sorun var gibi görünüyor.

Eğer herhangi birine Disney’in kendileri ve dünya için ne ‘ifade ettiğine’ dair bir resim çizmelerini isteseydiniz, büyük ihtimalle şu ana kadar tartıştığım her şeyi görmezden gelirlerdi. Ancak bir şeyi çizmeye teşebbüs edebilirler ya da çizemeyecekleri için hayal kırıklığıyla hayıflanırlardı: bir yüz. Bu Mickey, Donald, Goofy veya markanın diğer tanınmış figürlerinden birinin yüzü olabilirdi. Ve yüzdeki en önemli unsur gözler olurdu. Disney, ilk uzun metrajlı çizgi filminde Pamuk Prenses’in porselen bebek kusursuzluğunu dünyaya gösterdikten sonra bu numarayı tekrarlayamayacağını fark etti: Sinema salonlarının acımasız yakın çekimlerinde izleyicilerin ısınabileceği karakterlere ihtiyacı vardı. Ve böylece, tahta parçasından oyuncağa, oyuncaktan insana dönüşen o figür vizyonunu bulabileceği en etkileyici gözlerle donattı: Vivien Leigh’inkilerle. Filmi tekrar izlerseniz, Leigh'in kaş hareketlerini her yerde göreceksiniz. Ve seyirciler olarak bizim bağ kurduğumuz şey tam da bu ifadedir. Görsellik kimin umurunda? Sadece teknisyenlerin. Bize kişisel arzuların, tutkuların, savunmasızlıkların, güçlerin, erdemlerin ve kusurların insani hikayelerini verin, bizi keşif yolculuklarına çıkaran kahramanları sevelim. Eğer bu yapım Idris-Roberts'a bizi kalbine daha fazla yaklaştırması için gereken alanı ve derinliği —tam olarak— vermiyorsa, bu onun suçu değil.

Peki, tüm bunların arkasında ne yatıyor? Dürüst olmak gerekirse, National Theatre ‘War Horse’ ile bu kadar büyük bir sanatsal ve ticari başarı elde etmemiş olsaydı (ve bu kumpanyadaki pek çok kişinin daha önce o yapımda yer almış olması kimseyi şaşırtmasın), acaba sonrasında benzer mekanizmaların kullanıldığı bu kadar çok şovun türediğini görür müydük? Sadece merak ediyorum.

Şu anki haliyle süreç henüz bitmiş değil ve yapım ekibi bu girişimde pek çok radikal iyileştirme yapabilir. Lütfen unutmayalım ki kuklacılık branşının o büyük zaferi, yani sopalardan yapılmış bir atın hikayesi bile neredeyse batıyordu: efsaneye göre, ancak bir tür sihirli mucize onu başarısızlıktan çekip çıkardı ve o görünmez ama hayati başarı sınırının ötesine taşıdı. Bu denemeyle iyi bir çaba gösteren National Theatre'a tam puan; gösterinin niyetlendiği kadar iyi çalışması hala sağlanabilir. Ancak bu gerçekleşmeden önce daha çok çalışma gerekecek.

PINOCCHIO İÇİN BİLET ALIN

Fotoğraflar: Manuel Harlan