CRITIQUE : Sunny Afternoon, Théâtre Hampstead ✭✭✭

Sunny Afternoon

Hampstead Theatre, sur le point d'être transféré au West End

5 mai 2014

3 Étoiles

Qu'est-ce qui fait une bonne comédie musicale? Quelle est la différence entre une pièce avec de la musique et une comédie musicale? Cette distinction est-elle importante ou existe-t-elle vraiment? Un acteur est-il différent d'un artiste de théâtre musical ou un artiste de théâtre musical est-il un acteur avec des compétences supplémentaires? Qu'est-ce qui rend une nouvelle comédie musicale valable? Y a-t-il une différence entre une comédie musicale juke-box et une comédie musicale de type "livre"? Et si c'est le cas, devrait-il y en avoir une?

Toutes ces questions sont mises en évidence lorsque l'on voit la première production de Sunny Afternoon (musique et paroles de Ray Davies, livre de Joe Penhall), la dernière production d'Edward Hall au Hampstead Theatre.

C'est l'histoire des Kinks, un groupe anglais qui a été une force majeure dans la musique en Grande-Bretagne pendant trois décennies, des années soixante à la fin des années quatre-vingt-dix. Leur catalogue sert de bande sonore à la pièce. L'histoire du groupe fournit le récit.

Ou devrait le faire.

Mais il est possible de quitter cette production sans en savoir beaucoup sur les raisons pour lesquelles le groupe s'est formé, pourquoi ils ont bien fonctionné ensemble ou pourquoi ils ont duré si longtemps. Car le livre de Penhall manque de détails ou de précision.

Cependant, il est impossible de quitter la production sans vouloir immédiatement écouter la musique prolifique des Kinks. Est-ce un indicateur déterminant d'une bonne comédie musicale? Une soif pour les morceaux inclus dans le musical? Si c'est le cas, cette production est un triomphe.

Pourtant, les exigences d'une grande comédie musicale sont plus larges que cela. Au moins depuis l'époque de Rodgers et Hammerstein, la partition d'une comédie musicale doit être mélodieuse tout en faisant progresser les personnages et le récit. Dans le monde des comédies musicales juke-box, les Jersey Boys représentent l'apogée; là, l'histoire des chansons est entrelacée avec les chansons elles-mêmes et l'histoire de leurs créateurs.

Dans les vingt dernières minutes de Sunny Afternoon, Penhall, Davies et Hall trouvent exactement le bon équilibre, et cette séquence, depuis le moment où le guitariste Pete exprime des doutes sur le fait de rester membre du groupe jusqu'au final, est magique, engageante, réchauffant le cœur: tout ce qu'une bonne comédie musicale devrait être. Et chaque performance atteint le niveau juste dans cette section, vocalement et en termes de jeu honnête débordant de cœur. Dans cette section, tout compte, tout se ressent et tout fonctionne.

Il n'est donc pas surprenant que la foule devienne folle au rideau final et reste debout, joyeusement hystérique pendant le rappel. Ils ont été témoins de cette rare bête théâtrale: une comédie musicale juke-box qui fonctionne, du moins en partie, comme une comédie musicale "livre", les chansons phares familières poussant le récit et les personnages de l'avant.

Imaginez alors le résultat si la finesse et le style des scènes finales avaient été appliqués à tout le spectacle? Si la clarté, l'entrelacement harmonieux de la chanson et du récit avaient été constants?

Mais le premier acte est inégal, avec certaines chansons maladroitement insérées parmi les dialogues et d'autres qui fonctionnent bien. L'inconstance est l'ambiance. Ce n'est jamais désastreux ou irrémédiablement ennuyeux, mais ce n’est pas non plus ce qu’il pourrait manifestement être, comme le montrent les scènes finales.

Le début de l'Acte Deux, les scènes en Amérique lorsque les Kinks sont en tournée, est assez lamentable, bourré de clichés et d'anachronismes, et, plus grave encore, le moment où la musique est le plus déconnectée du récit, et les personnages de leurs motivations et de la vérité narrative.

Dans le premier acte et le début de l'Acte Deux, la pièce ressemble plus à une pièce avec de la musique. Les mots sont le principal moteur; la musique ne sert que de ponctuation ou de contraste. Mais dans les vingt dernières minutes, c'est définitivement une comédie musicale, et une foutue bonne.

Penhall est cité dans le programme en disant:

«Les chansons de Ray sont parfaitement adaptées au théâtre, d'une manière que le travail d'aucun autre compositeur ne l'est.»

Vraiment? On imagine que Bernstein, Rodgers, Sondheim, Flaherty, Guettal, Robert-Brown, Lippa, Shaiman, John, Tesori et Kitt (pour ne citer qu’eux) composent tous des chansons parfaitement adaptées au théâtre et mieux adaptées que celles écrites par Davies.

Mais cela explique peut-être le problème central de cette pièce. Les chansons de Davies, aussi brillantes soient-elles, n'ont pas été écrites pour cette pièce et donc, en dépit de leur capacité narrative inhérente, elles nécessitent une intégration soigneuse dans un récit qui a besoin d'elles et qui en tire profit. À l'exception des vingt dernières minutes, Penhall n'a pas fourni ce récit-là.

Edward Hall dirige, mais on soupçonne qu'il pense diriger une pièce et non une comédie musicale. Il n'y a pas de musicalité dans la présentation, ce dont elle a cruellement besoin. Cependant, Adam Cooper fournit une chorégraphie excellente, habile et captivante et l'ensemble la réalise de manière somptueuse.

Le design sonore de Matt McKenzie déçoit continuellement. Le Hampstead Theatre n'est pas un grand espace mais l'équilibre entre la voix et l'instrumentation est rarement correct, avec pour résultat que les paroles, surtout celles chantées par John Dagliesh comme Ray, disparaissent ou sont inexplicablement étouffées. C'est désespérément honteux - car quand vous l'entendez, Dagliesh est impressionnant.

Ray est le personnage central ici, beaucoup est demandé à Dagliesh et il est à la hauteur de la tâche pour la plupart. Pas assez de temps n'est consacré à permettre au public de l'aimer et de s'identifier à lui, ce qui fait que le spectacle semble plus décousu qu'il ne le serait si le public était amoureux de lui, ce qu'il doit sûrement être. Dagliesh est confiant et capable, mais pas assez séduisant et il ne joue pas le rôle avec le genre de cœur qu'une comédie musicale exige de sa star.

Les co-vedettes de Dagliesh connaissent un meilleur sort. Leurs rôles, bien que secondaires, ont plus de cœur imprimé sur eux - avec un effet gagnant. Le meilleur est Pete de Ned Derrington, le guitariste sincère et discret qui ne connaît pas sa propre valeur. Derrington est formidable tout au long, chante bien et quand il a son grand moment au deuxième acte, il est sensationnel.

Tout aussi bon, en tant que jeune frère guitariste irrévérencieux et prêt à tout, Dave, est George Maguire qui est tout simplement formidable, une boule d'énergie contenue et une fureur anti-establishment éclatante, avec de longs cheveux en bataille et une indulgence hédoniste. Il est drôle, mais peut changer du tout au tout et être vraiment sérieux - et il a un ténor sans effort qui ajoute de la vitalité à la musique.

Le dernier membre du quatuor, le batteur paresseux et râleur Mick, voit Adam Sopp en excellente forme. Il est languide là où les autres sont sincères ou égocentriques, sec et capable de violence extrême - l'incarnation parfaite d'un batteur en colère de Londres.

Lille Flynn est magnifique, à tous points de vue, en tant que petite amie/épouse de Ray, Rasa. Elle chante avec douceur et sûreté et apporte une vraie chaleur à chacune de ses scènes. Philip Bird joue plusieurs rôles, tous extrêmement bien, mais il est inspiré en tant que M. Davies, le père humble de Ray.

Miriam Beuther fournit un décor flashy, mais il n'évoque pas vraiment le sens du parcours intérieur intime de Ray, qui est le principal moteur narratif ici, ni ne permet beaucoup de lieux crédibles pour la multitude d'endroits où se déroulent les actions. De façon inexplicable, l'auditorium a été découpé pour permettre une avancée centrale longue et des entrées à travers le public de chaque côté. Mais elles restent inutilisées pour la plupart et lorsqu'elles le sont, le résultat est simplement une attention divisée plutôt qu'un sentiment de proximité ou de spectacle.

Mais ses costumes sont une autre affaire: ils sont divins et il y en a des douzaines. Colorés, d'époque et pimpants, les costumes apportent beaucoup d'aide pour raconter l'histoire du temps et du lieu de ces Kinks et de leurs triomphes et tribulations.

Il y a beaucoup de choses à aimer dans Sunny Afternoon et dans l'ensemble, l'expérience est plus que satisfaisante. C'est vraiment amusant. Ça vaut bien la peine d'être vu et il est difficile de ne pas apprécier.

Mais... Cela aurait dû être un triomphe absolu. Hélas, le livre de Penhall et la direction de Hall l'empêchent.