Il est temps d'accorder plus de reconnaissance à la chorégraphie du mouvement

Mark Ludmon examine les efforts pour améliorer la reconnaissance du travail des directeurs de mouvement dans le théâtre britannique.

La distribution de The Inheritance au Noel Coward Theatre. Photo : Marc Brenner

Lors des Olivier Awards de cette année, 12 des nominations concernaient des productions mettant en vedette le travail des directeurs de mouvement - mais les noms de ces créateurs clés n'ont pas été entendus. La meilleure nouvelle pièce, The Inheritance, a remporté des prix pour le directeur Stephen Daldry et le concepteur d'éclairage Jon Clark tandis que des nominations ont également été attribuées à Bob Crowley pour la scénographie et à Paul Arditti et Christopher Reid pour le son. Mais, malgré les critiques louant son "énergie de montagnes russes", il n'y a pas eu de reconnaissance spécifique pour la contribution de la directrice de mouvement de premier plan Polly Bennett. Elle a également travaillé sur deux autres spectacles nominés, The Lehman Trilogy et Sweat, et, tout en célébrant les réalisations de ses collègues, elle est l'une des plusieurs praticiennes appelant à des prix spécifiquement pour le meilleur mouvement.

Avec 24 catégories et une cérémonie de trois heures et demie, l'organisateur des Olivier, SOLT, est réticent à étendre la liste davantage. Selon un porte-parole, la catégorie existante de meilleur chorégraphe de théâtre "englobe la direction de mouvement pour les pièces ainsi que la chorégraphie dans les comédies musicales, et des exemples de ce type de travail sont généralement éligibles chaque année". Le travail de mouvement figure sur les longues listes des panels de jugement, mais le vote final par les membres de SOLT favorise le théâtre musical. Malgré un choix de spectacles mettant en avant le mouvement des acteurs, les nominés de cette année concernaient la chorégraphie de The King and I, Six, Company et Come From Away, qui a été le gagnant. Comme l'a commenté Bennett, "Tant que le mouvement ne sera pas séparé par les personnes qui disent au monde ce que la création de théâtre implique, les électeurs ne pourront pas non plus distinguer les deux."

Grouper les deux sous la bannière de chorégraphie est au détriment du mouvement, souligne la directrice de mouvement Shelley Maxwell, qui a travaillé sur des spectacles primés, y compris Nine Night l'année dernière et Antony and Cleopatra au National Theatre ainsi qu'Equus, qui se joue au Trafalgar Studios de Londres jusqu'en septembre après une tournée. "Bien que cela apporte une certaine inclusion, je pense qu'il est assez difficile de mesurer la chorégraphie par rapport à la direction de mouvement en termes de catégorie de récompenses," dit-elle. "Ce sont vraiment deux ensembles de compétences différents et, en tant que tels, je crois qu'ils devraient être tous deux vus, jugés et récompensés en conséquence. Actuellement, beaucoup dans l'industrie militent pour cela, mais, comme nous le savons, les choses ne se produisent pas du jour au lendemain."

Bien qu'il n'y ait pas de catégories consacrées au mouvement en Grande-Bretagne, The Irish Times a ajouté le meilleur mouvement pour les Irish Theatre Awards 2018. Selon l'une des juges, Ella Daly, cela "nous a permis de considérer et de reconnaître pour la première fois la contribution significative des directeurs de mouvement, metteurs en scène et chorégraphes au paysage du théâtre". La catégorie englobe toujours le théâtre musical mais, en attirant l'attention sur la discipline plus large, les nominations et récompenses ont été pour le mouvement d'acteur dans des pièces, y compris le gagnant de cette année, la directrice de mouvement Sue Mythen pour The Lost O’Casey, un drame sur la crise du logement à Dublin.

Royal Shakespeare Company - Romeo et Juliette. Photo : Topher McGrillis

Être laissé de côté lors des cérémonies de remise des prix fait partie d'un manque plus large de sensibilisation du public au travail des directeurs de mouvement en dehors des personnes faisant du théâtre. Le Romeo et Juliette de la Royal Shakespeare Company, qui a tourné jusqu'en janvier de cette année, s'est distingué par l'énergie et la physicalité dynamique de ses performances, mais aucun critique de journaux grand public et seulement une poignée de sites régionaux n'ont crédité la contribution de l'artiste associée de la RSC, la directrice de mouvement Ayse Tashkiran. Avec une carrière de 15 ans, elle est également co-responsable du cours Mouvement : Direction et Enseignement à la Royal Central School of Speech and Drama de Londres - le cours le plus ancien pour les directeurs de mouvement en Europe. Bien qu'elle évite les critiques car "elles ne me satisferont jamais", elle croit que l'on pourrait faire plus pour refléter à quel point le mouvement est essentiel à la performance. "Je ne veux pas montrer du doigt les journalistes car je suis plutôt d'accord avec Matt Trueman quand il dit, ‘Je ne veux pas de listes de contrôle de noms dans une critique’. Ce qui me dérange, c'est lorsqu'un journaliste a procédé à cette démarche en disant, ‘La composition est celle-ci, l'éclairage est celui-ci’; alors je commence à me sentir un peu irritée parce que je me sens définitivement partie intégrante de l'équipe créative. Si vous allez vérifier la musique, j'avais probablement autant à voir avec votre ressenti de la musique que quiconque. De la même manière, avec l'éclairage, nous sommes dans un monde visuel, alors si vous avez le langage pour parler de l'éclairage, vous avez le langage pour parler du mouvement. Mon souhait serait que, si un directeur de mouvement figure dans le programme, il soit examiné avec la même attention par rapport à l'équipe créative."

Le problème ne réside pas dans l'industrie elle-même, souligne rapidement Tashkiran. "Il y a une visibilité massive dans la salle de répétition véritable et dans les cultures de répétition et les organisations. C'est intégré, c'est incontesté. Les vraiment grands metteurs en scène sont brillants à propos du mouvement, et ils ont une telle ambition de mouvement. Vous êtes là parce que vous allez répondre à leurs ambitions, et mon travail est de correspondre à cela et d'aller quelque part qu'ils n'avaient même pas imaginé."  Elle a retracé le titre de "directeur de mouvement" jusqu'au rôle de Geraldine Stephenson sur les York Mystery Plays pour le Festival of Britain en 1951, mais elle souligne que le mouvement d'acteur lui-même est aussi ancien que le théâtre lui-même, couvrant la vie physique de toute production. "Si on devait faire une véritable histoire de la direction de mouvement, il faudrait être un peu prudent de ne pas dire, ‘S'ils ne sont pas dans le programme, il n'y avait pas de mouvement’."

Tashkiran est une défenseuse de l'une des pionnières, Litz Pisk, auteur de l'influent livre de 1975 The Actor and His Body, qui était copropriétaire d'une école de "arts du mouvement" à Vienne dans les années 1920 avant de devenir professeur de mouvement - ou "mime", comme on l'appelait - à RADA à Londres en 1936. Elle a ensuite enseigné le mouvement à l'Old Vic Theatre School puis à Central tout en travaillant avec le réalisateur Michael Elliott et sa compagnie de l'Old Vic où elle était directrice de mouvement en résidence. L'épanouissement de la direction de mouvement à partir des années 1950 est dû en grande partie au développement de grandes institutions comme l'Old Vic, le National Theatre et la RSC avec leurs castings plus importants et leur concentration sur la composition visuelle, plus tard développé par des directeurs de mouvement tels que Sue Lefton, Jane Gibson et Struan Leslie. Avec des écoles telles que Central, Guildhall et Manchester Metropolitan University produisant une nouvelle génération de directeurs de mouvement, la discipline est maintenant "florissante", dit Tashkiran. Pour refléter cela, les praticiens eux-mêmes doivent passer à l'action, ajoute-t-elle. "Nous progressons dans cet aspect mais nous devons aussi aller de l'avant."

English Touring Theatre - Equus. Photo : The Other Richard Le travail de Maxwell a été bien crédité dans les critiques de Theatre Royal Stratford East et de la production d'Equus de l'English Touring Theatre, mise en scène par Ned Bennett, qui a été créée au Theatre Royal Stratford East de Londres en février avant de partir en tournée. L'incarnation musculaire des chevaux par les acteurs et la performance très physique d'Ethan Kai en tant qu'Alan Strang ont conduit à la reconnaissance à la fois du mouvement et du directeur de mouvement par les critiques, du Times à BritishTheatre.com. Outre le fait que Maxwell soit proposée pour des interviews dans les médias, il était certainement avantageux que le seul article du programme du spectacle soit une interview de deux pages sur sa carrière. "Il est utile si les théâtres incluent les directeurs de mouvement dans leurs listes créatives, même si le directeur de mouvement n'a été amené que comme consultant", dit Maxwell. "Cela permet au grand public et aux journalistes de savoir qu'un directeur de mouvement est associé à la production. Cela aide à faciliter une plus grande exposition et offre également la possibilité pour eux d'être crédités dans les critiques aux côtés de leurs autres collègues créatifs. Bien que nous ne créions pas de théâtre en essence pour le faste, les paillettes et la gloire, c'est agréable lorsque tous les facteurs qui entrent dans sa création sont reconnus et appréciés."

Après avoir commencé comme interprète dans la danse et le théâtre musical, Maxwell se concentre depuis trois ans sur la direction de mouvement et travaille sur deux autres productions du National Theatre, Hansard, à partir du mois d'août, et "Master Harold"...and the Boys and Hansard à partir de septembre. "J'ai constaté un changement notable dans l'inclusion et la mention du travail des directeurs de mouvement au fil des ans dans la presse," dit-elle. "Bien que ce ne soit certainement pas encore une pratique courante, c'est un pas dans la bonne direction compte tenu de l'étendue du travail que de nombreux directeurs de mouvement réalisent lorsqu'ils travaillent sur des productions." Elle note que le mouvement d'acteur a été mis en lumière par le film primé Bohemian Rhapsody. "Ici, l'acteur Rami Malek et la directrice de mouvement Polly Bennett ont tous deux reçu des éloges pour le travail remarquable réalisé sur l'incarnation de la physicalité de Freddie Mercury. Je pense que donner du crédit aux acteurs pour leurs performances et également reconnaître leur maîtrise de la physicalité est utile pour mettre en lumière tous les aspects qui contribuent à une performance."

Tashkiran croit également que rédiger des notes de programme a eu un impact positif sur les journalistes après avoir vu ses mots influencer la couverture dans des critiques comme celle de As You Like It de la RSC, sur laquelle elle a travaillé avec Maria Aberg en 2013. "Je leur expose le processus et leur donne une structure et un langage, et souvent ce langage me revient dans les critiques." D'autres plateformes telles que les vidéos, podcasts et blogs offrent aux directeurs de mouvement la possibilité de parler de leur travail à un public plus large, comme l'utilisation de courts films en ligne par la RSC, suggère Tashkiran. "J'encourage tous mes diplômés à essayer de participer aux photos de répétition, aux blogs, écrire des notes de programme, faire ces choses d'interface - ce qui est vraiment difficile pour les directeurs de mouvement à faire parce qu'ils sont souvent payés des honoraires assez modestes et courent d'un emploi à l'autre."

The Provoked Wife de la Royal Shakespeare Company. Photo : Pete Le May

En plus d'écrire un nouveau livre à venir sur la direction de mouvement, Tashkiran a travaillé sur The Provoked Wife avec le directeur Phillip Breen, qui se joue au Swan Theatre de la RSC à Stratford-upon-Avon jusqu'en septembre - salué par la critique Libby Purves pour sa "direction de mouvement formidable". Tashkiran est artiste associée à la RSC depuis 2017 mais note qu'elle est seulement la troisième directrice de mouvement à recevoir ce titre dans l'histoire de la RSC, les autres étant principalement des acteurs, réalisateurs et écrivains. "L'accent mis sur leurs associés a définitivement été les aspects qui laissent des traces, des traces écrites," suggère-t-elle. Alors que les directeurs de mouvement cherchent à ce que leur travail soit mieux vu et reconnu, elle ajoute que, sans laisser de traces, le mouvement peut être vu comme particulièrement éphémère. "Il passe de corps en corps et occupe souvent les espaces intermédiaires, même dans un processus de répétition, donc le médium de la direction de mouvement doit travailler plus dur pour laisser une empreinte dans l'esprit de ceux qui sont en dehors du processus de répétition."