움직임의 방향성을 더욱 인정할 때입니다

마크 러드먼이 영국 연극에서 무브먼트 디렉터의 작업을 더 제대로 인정받게 하려는 노력들을 살펴본다.

노엘 카워드 극장에서 공연된 <더 인헤리턴스> 출연진. 사진: Marc Brenner

올해 올리비에 어워즈에서는 무브먼트 디렉터의 작업이 포함된 작품들이 12개 부문 후보에 올랐지만, 정작 이 핵심 창작진의 이름은 시상식에서 거의 언급되지 않았다. 최우수 신작 연극상을 받은 <더 인헤리턴스>는 연출 스티븐 달드리와 조명 디자이너 존 클라크가 트로피를 거머쥐었고, 무대 디자인의 밥 크로울리, 음향의 폴 아디티와 크리스토퍼 리드도 후보에 이름을 올렸다. 하지만 비평가들이 “롤러코스터 같은 에너지”를 칭찬했음에도, 대표적인 무브먼트 디렉터 폴리 베넷의 기여를 특정해 인정하는 상은 없었다. 베넷은 후보작인 <더 레먼 트릴로지>와 <스웨트>에도 참여했으며, 동료들의 성과를 축하하는 한편 ‘최우수 무브먼트’처럼 무브먼트에 특화된 상이 필요하다고 목소리를 내는 여러 실무자 중 한 명이다.

24개 부문에 3시간 30분가량 진행되는 시상식인 만큼, 올리비에를 주관하는 SOLT는 부문을 더 늘리는 데 소극적이다. 한 관계자는 현행 ‘최우수 연극 안무가’ 부문이 “연극의 무브먼트 디렉팅과 뮤지컬의 안무를 모두 포괄하며, 이런 유형의 작업은 보통 매년 후보 자격이 있다”고 설명했다. 무브먼트 작업은 심사위원단의 롱리스트에는 오르지만, SOLT 회원들의 최종 투표에서는 뮤지컬 중심으로 표가 쏠리는 경향이 있다. 배우-무브먼트가 돋보인 작품들이 있었음에도, 올해 후보는 <왕과 나>, <식스>, <컴퍼니>, <컴 프롬 어웨이>의 안무 작업에 집중됐고, 수상은 <컴 프롬 어웨이>가 차지했다. 베넷은 “연극이 무엇으로 만들어지는지 세상에 말하는 사람들이 무브먼트를 분리해 다루기 전에는, 투표자들도 둘을 구분할 수 없을 것”이라고 말했다.

‘안무’라는 깃발 아래 둘을 한데 묶는 것은 무브먼트에 불리하다고, 무브먼트 디렉터 셸리 맥스웰은 지적한다. 그녀는 지난해 수상작 <나인 나이트>를 비롯해 내셔널 시어터의 <안토니와 클레오파트라>, 그리고 투어 이후 9월까지 런던 트라팔가 스튜디오에서 공연 중인 <에쿠우스> 등 수상 경력 작품들에 참여해 왔다. “이렇게 하면 어느 정도 포함은 되지만, 시상 부문에서 안무와 무브먼트 디렉팅을 같은 잣대로 재는 건 상당히 어렵다고 생각해요.”라고 그녀는 말한다. “두 작업은 정말로 서로 다른 기술 세트이고, 그렇기 때문에 각각을 별도로 보고, 심사하고, 그에 맞게 시상해야 한다고 믿습니다. 현재 업계에는 이를 위해 힘쓰는 사람들이 많지만, 아시다시피 하루아침에 바뀌지는 않죠.”

영국에는 무브먼트에 특화된 부문이 없지만, 아일랜드의 경우 2018년 Irish Theatre Awards에서 더 아이리시 타임스가 ‘최우수 무브먼트’ 부문을 신설했다. 심사위원 중 한 명인 엘라 데일리에 따르면, 이는 “무브먼트 디렉터, 연출가, 안무가가 연극 지형에 기여하는 중요한 역할을 처음으로 고려하고 인정할 수 있게 해줬다”고 한다. 이 부문 역시 뮤지컬을 포함하지만, 더 넓은 분야에 스포트라이트를 비추면서 올해 수상작인 <더 로스트 오케이시>의 무브먼트 디렉터 수 마이든처럼, 연극에서의 배우-무브먼트 작업이 후보와 수상으로 이어지고 있다. <더 로스트 오케이시>는 더블린의 주택 위기를 다룬 드라마다.

로열 셰익스피어 컴퍼니 - <로미오와 줄리엣>. 사진: Topher McGrillis

시상식에서 소외되는 것은, 연극을 만드는 사람들 밖에서는 무브먼트 디렉터의 작업에 대한 대중적 인지도가 전반적으로 낮다는 더 큰 문제의 일부이기도 하다. 올해 1월까지 투어를 돌았던 로열 셰익스피어 컴퍼니(RSC)의 <로미오와 줄리엣>은 강한 에너지와 역동적인 신체성이 돋보였지만, 주요 전국지 비평가들은 물론 지역 웹사이트 몇 곳만이 RSC 어소시에이트 아티스트이자 무브먼트 디렉터인 아이셰 타슈키란의 기여를 언급했다. 15년 경력의 타슈키란은 런던 로열 센트럴 스쿨 오브 스피치 앤 드라마에서 ‘Movement: Directing and Teaching’ 과정을 공동으로 이끄는 코스 리더이기도 한데, 이는 유럽에서 가장 오래된 무브먼트 디렉터 교육 과정이다. 그녀는 “절대 만족할 수 없기 때문에” 리뷰를 피한다고 말하면서도, 무브먼트가 공연에 얼마나 필수적인지 더 잘 반영할 방법이 있다고 본다. “저는 기자들을 탓하고 싶진 않아요. 맷 트루먼이 ‘리뷰에서 이름을 체크리스트처럼 나열하고 싶지 않다’고 말한 것에도 어느 정도 동의하거든요. 다만 기자가 ‘구성은 이렇고, 조명은 이렇다’며 과정을 따라가며 설명해놓고, 그때 무브먼트는 빠져 있으면 저는 좀 까칠해져요. 저는 분명 창작팀의 일부라고 느끼니까요. 음악을 언급하려 한다면, 관객이 음악을 ‘느끼는 방식’에는 저도 다른 누구 못지않게 관여했을 거예요. 조명도 마찬가지죠. 우리는 시각적 세계에 있으니, 조명을 말할 언어가 있다면 무브먼트를 말할 언어도 있어요. 제 바람은, 프로그램에 무브먼트 디렉터가 적혀 있다면 창작팀의 다른 구성원들과 마찬가지로 동일한 수준으로 들여다봐 주는 거예요.”

타슈키란은 문제의 원인이 업계 내부에 있는 것은 아니라고 재빨리 강조한다. “실제 리허설룸 안과 리허설 문화, 그리고 조직들 안에서는 가시성이 엄청나요. 통합돼 있고, 의문조차 제기되지 않죠. 정말 훌륭한 연출가들은 무브먼트에 매우 밝고, 무브먼트에 대한 야심도 커요. 저는 그 야심을 실현하기 위해 거기에 있고, 제 일은 그것에 맞춰 더 멀리—그들이 상상하지 못한 곳까지—가게 만드는 거예요.”  그녀는 ‘무브먼트 디렉터’라는 직함을 1951년, Festival of Britain을 위해 올려진 York Mystery Plays에서 제럴딘 스티븐슨이 맡았던 역할까지 거슬러 올라가 추적했지만, 배우-무브먼트 자체는 연기만큼이나 오래됐으며 어떤 작품에서든 신체적 삶을 포괄한다고 강조한다. “무브먼트 디렉팅의 제대로 된 역사를 쓰려 한다면, ‘프로그램에 이름이 없었으니 무브먼트도 없었다’고 말하는 실수를 하지 않도록 조금은 조심해야 해요.”

타슈키란은 선구자 중 한 명인 리츠 피스크를 적극적으로 조명한다. 피스크는 1975년 출간된 영향력 있는 저서 <The Actor and His Body>의 저자이며, 1920년대 비엔나에서 ‘무브먼트 아트’ 학교를 공동 운영하다가 1936년 런던의 RADA에서 무브먼트—당시 표현으로는 ‘마임’—교사가 됐다. 이후 올드 빅 시어터 스쿨과 센트럴에서 무브먼트를 가르쳤고, 연출가 마이클 엘리엇 및 그의 올드 빅 컴퍼니와 함께 일하면서 사내 무브먼트 디렉터로도 활동했다. 1950년대 이후 무브먼트 디렉팅이 번성한 것은 올드 빅, 내셔널 시어터, RSC 같은 대형 기관들이 더 큰 캐스트와 시각적 구성에 집중하며 발전한 데 크게 힘입었고, 이후 수 레프턴, 제인 깁슨, 스트루언 레슬리 같은 무브먼트 디렉터들이 그 흐름을 이어갔다. 센트럴, 길드홀, 맨체스터 메트로폴리탄 대학교 같은 학교들이 새로운 세대의 무브먼트 디렉터를 배출하면서, 이 분야는 현재 “번성하고 있다”고 타슈키란은 말한다. 이를 제대로 반영하려면 실무자들 스스로도 행동에 나서야 한다고 덧붙인다. “그 부분에서는 진전을 이루고 있지만, 우리도 한 걸음 앞으로 나서야 해요.”

잉글리시 투어링 시어터 - <에쿠우스>. 사진: The Other 리처드 맥스웰의 작업은, 네드 베넷 연출로 2월 런던 Theatre Royal Stratford East에서 초연한 뒤 투어 중인 Theatre Royal Stratford East와 English Touring Theatre의 <에쿠우스> 프로덕션 리뷰에서 충분히 언급됐다. 배우들이 말의 몸을 근육으로 구현해낸 방식과, 앨런 스트랭 역의 이선 카이의 강렬하게 신체적인 연기는 무브먼트 자체와 무브먼트 디렉터 모두에 대한 찬사로 이어졌고, 더 타임스부터 BritishTheatre.com까지 폭넓게 호평했다. 맥스웰이 언론 인터뷰에 나서도록 한 것 외에도, 프로그램에 실린 유일한 글이 그녀의 커리어를 다룬 2페이지짜리 Q&A였다는 점은 분명 도움이 됐다. “무브먼트 디렉터가 컨설턴트로만 참여했더라도, 극장들이 창작진 목록에 무브먼트 디렉터를 포함하는 건 도움이 됩니다.”라고 맥스웰은 말한다. “이렇게 하면 일반 관객과 기자 모두가 해당 프로덕션에 무브먼트 디렉터가 붙어 있다는 사실을 알게 되죠. 더 많은 노출을 촉진할 뿐 아니라, 다른 창작 동료들과 나란히 리뷰에서 크레딧을 받을 가능성도 높아집니다. 우리가 본질적으로 화려함과 스포트라이트를 위해 연극을 만드는 것은 아니지만, 그것이 만들어지는 데 들어간 모든 요소가 인정되고 알아봐 주어질 때 기분이 좋긴 하죠.”

무용과 뮤지컬에서 퍼포머로 시작한 뒤, 맥스웰은 지난 3년간 무브먼트 디렉팅에 집중해 왔으며 내셔널 시어터의 두 편의 신작—8월부터 공연되는 <Hansard>와 9월부터 공연되는 “Master Harold”…and the Boys 및 <Hansard>—에도 참여하고 있다. “수년 동안 인쇄 매체에서 무브먼트 디렉터의 작업이 더 포함되고 언급되는 눈에 띄는 변화를 봤어요.”라고 그녀는 말한다. “아직 완전히 일반적인 관행은 아니지만, 많은 무브먼트 디렉터들이 작품에서 수행하는 작업의 범위를 생각하면 올바른 방향으로 나아가는 خطوة예요.” 그녀는 배우-무브먼트가 수상 경력의 영화 <보헤미안 랩소디>로 큰 주목을 받았다고도 덧붙인다. “그 작품에서는 배우 라미 말렉과 무브먼트 디렉터 폴리 베넷이 프레디 머큐리의 신체성을 구현해낸 놀라운 작업으로 모두 찬사를 받았죠. 배우들의 연기를 칭찬하고, 그들이 보여 준 뛰어난 신체성의 순간들을 함께 인정하는 것은, 퍼포먼스를 구성하는 모든 요소에 스포트라이트를 비추는 데 도움이 된다고 생각해요.”

타슈키란은 또한 프로그램 노트를 쓰는 일이 기자들에게 긍정적인 영향을 준다고 믿는다. 2013년 마리아 아베르그와 함께 작업한 RSC의 <뜻대로 하세요> 같은 작품에서, 자신의 글이 리뷰 보도에 영향을 미치는 것을 보았기 때문이다. “저는 그들에게 과정을 드러내고, 형태와 언어를 제공해요. 그리고 그 언어가 종종 리뷰에서 다시 제게로 돌아오죠.”라고 그녀는 말한다. 타슈키란은 RSC가 짧은 온라인 영상을 활용하는 방식처럼, 영상·팟캐스트·블로그 같은 다른 플랫폼들도 무브먼트 디렉터가 더 넓은 관객에게 자신의 작업을 이야기할 기회를 제공한다고 제안한다. “저는 졸업생들에게 리허설 사진, 블로그 참여, 프로그램 노트 작성, 그런 인터페이스 작업을 해보라고 권해요. 무브먼트 디렉터들은 보수가 비교적 modest한 경우가 많고 일에서 일로 뛰어다니기 때문에, 그런 일을 하기가 정말 어렵지만요.”

로열 셰익스피어 컴퍼니의 <The Provoked Wife>. 사진: Pete Le May

타슈키란은 무브먼트 디렉팅에 관한 새 책을 집필 중인 동시에, 필립 브린 연출의 <The Provoked Wife>에도 참여했다. 이 작품은 9월까지 스트랫퍼드어폰에이번의 RSC 스완 극장에서 공연 중이며, 비평가 리비 퍼브스가 “훌륭한 무브먼트 디렉팅”이라고 극찬했다. 타슈키란은 2017년부터 RSC의 어소시에이트 아티스트로 활동해 왔지만, RSC 역사에서 이 타이틀을 받은 무브먼트 디렉터는 자신이 세 번째뿐이며 나머지는 대부분 배우, 연출가, 작가였다고 말한다. 그녀는 “그들의 어소시에이트 제도에서 강조돼 온 건 분명 ‘흔적을 남기는 것’, 즉 기록으로 남는 것들이었죠.”라고 제안한다. 무브먼트 디렉터들이 자신의 작업이 더 잘 보이고 인정받길 바라는 가운데, 그녀는 흔적을 남기지 못하면 무브먼트는 특히나 덧없게 보일 수 있다고 덧붙인다. “무브먼트는 몸에서 몸으로 전해지고, 리허설 과정에서도 종종 ‘사이 공간’을 차지해요. 그래서 무브먼트 디렉팅이라는 매체는, 리허설 과정 바깥에 있는 사람들의 머릿속에 인상을 남기기 위해 더 열심히 노력해야 합니다.”