È tempo di dare più riconoscimento alla direzione del movimento scenico

Mark Ludmon esamina gli sforzi per migliorare il riconoscimento del lavoro dei movement director nel teatro britannico.

Il cast di The Inheritance al Noel Coward Theatre. Foto: Marc Brenner

Agli Olivier Awards di quest’anno, 12 delle candidature riguardavano produzioni che includevano il lavoro dei movement director – ma i nomi di questi creativi fondamentali non sono stati pronunciati. Il premio per la miglior nuova pièce, The Inheritance, è andato al regista Stephen Daldry e al lighting designer Jon Clark, mentre sono arrivate candidature anche per Bob Crowley (scene) e per Paul Arditti e Christopher Reid (suono). Eppure, nonostante i critici ne abbiano elogiato la “energia da montagne russe”, non c’è stato alcun riconoscimento specifico per il contributo della principale movement director Polly Bennett. Bennett ha lavorato anche su altri due spettacoli candidati, The Lehman Trilogy e Sweat, e, pur festeggiando i successi dei colleghi, è una delle diverse professioniste che chiedono premi specifici per il miglior movement.

Con 24 categorie e una cerimonia di tre ore e mezza, l’organizzatore degli Olivier, SOLT, è restio ad ampliare ulteriormente l’elenco. Secondo un portavoce, la categoria esistente di miglior coreografo teatrale “comprende la movement direction per le pièce così come la coreografia nei musical, ed esempi di questo tipo di lavoro sono di solito eleggibili ogni anno”. Il lavoro di movement arriva effettivamente nelle longlist delle giurie, ma il voto finale dei membri SOLT tende a favorire il teatro musicale. Nonostante ci fosse un’ampia scelta di spettacoli con actor-movement, i nominati di quest’anno erano per la coreografia di The King and I, Six, Company e Come From Away, che è risultato vincitore. Come ha commentato Bennett: “Finché il movement non verrà separato da chi racconta al mondo cosa comporta fare teatro, anche gli elettori non riusciranno a distinguere le due cose”.

Raggruppare le due discipline sotto l’etichetta di coreografia va a discapito del movement, sottolinea la movement director Shelley Maxwell, che ha lavorato su spettacoli premiati tra cui lo scorso anno Nine Night e Antony and Cleopatra al National Theatre, oltre a Equus, in scena ai Trafalgar Studios di Londra fino a settembre dopo la tournée. “Anche se questo garantisce una certa inclusione, credo sia piuttosto difficile misurare la coreografia rispetto alla movement direction in una categoria di premi,” dice. “Sono davvero due insiemi di competenze differenti e, proprio per questo, penso debbano essere entrambi considerati, valutati e premiati di conseguenza. Al momento molte persone nel settore stanno spingendo in questa direzione ma, come sappiamo, le cose non succedono dall’oggi al domani.”

Anche se in Gran Bretagna non esistono categorie dedicate al movement, The Irish Times ha aggiunto il premio per il miglior movement agli Irish Theatre Awards 2018. Secondo una delle giurate, Ella Daly, questo “ci ha permesso di considerare e riconoscere per la prima volta il contributo significativo di movement director, registi di scena e coreografi al panorama teatrale”. La categoria include ancora il teatro musicale ma, portando attenzione alla disciplina più ampia, candidature e premi sono andati all’actor-movement in pièce tra cui la vincitrice di quest’anno: la movement director Sue Mythen per The Lost O’Casey, un dramma sulla crisi abitativa di Dublino.

Royal Shakespeare Company - Romeo and Juliet. Foto: Topher McGrillis

L’esclusione dalle cerimonie di premiazione fa parte di una più ampia scarsa consapevolezza pubblica del lavoro dei movement director al di fuori di chi fa teatro. Il Romeo and Juliet della Royal Shakespeare Company, in tournée fino a gennaio di quest’anno, si è distinto per l’energia e la fisicità dinamica delle interpretazioni, ma nessun critico dei quotidiani mainstream e solo una manciata di siti regionali ha attribuito merito al contributo dell’artista associata della RSC, la movement director Ayse Tashkiran. Con una carriera quindicennale, è anche co-responsabile del corso Movement: Directing and Teaching alla Royal Central School of Speech and Drama di Londra – il corso per movement director attivo da più tempo in Europa. Pur evitando le recensioni perché “non mi soddisferanno mai”, ritiene che si potrebbe fare di più per riflettere quanto il movement sia essenziale alla performance. “Non voglio puntare il dito contro i giornalisti perché, in parte, sono d’accordo con Matt Trueman quando dice: ‘Non voglio elenchi di nomi da spuntare in una recensione’. Quello che invece mi infastidisce è quando un giornalista attraversa il processo dicendo: ‘La composizione è questa, le luci sono queste’; allora inizio a irritarmi, perché sento davvero di far parte del team creativo. Se vai a verificare la musica, probabilmente ho contribuito tanto quanto chiunque altro alla tua percezione della musica. Allo stesso modo, con le luci: viviamo in un mondo visivo, quindi se hai il linguaggio per parlare di illuminazione, hai il linguaggio per parlare di movement. Il mio desiderio sarebbe che, se c’è un movement director nel programma di sala, lo si consideri con lo stesso livello di analisi rispetto al team creativo.”

Il problema non è interno al settore, ci tiene a sottolineare Tashkiran. “C’è una visibilità enorme dentro la sala prove e nelle culture di prova e delle organizzazioni. È integrato, è dato per scontato. I registi davvero bravi sono eccezionali sul movement e hanno una grande ambizione di movement. Sei lì perché realizzerai le loro ambizioni, e il mio lavoro è allinearmi a questo e portarlo in un luogo che loro nemmeno avevano immaginato.”  Ha fatto risalire la qualifica di “movement director” al ruolo di Geraldine Stephenson negli York Mystery Plays per il Festival of Britain nel 1951, ma sottolinea che l’actor-movement è antico quanto la recitazione stessa e comprende la vita fisica di qualunque produzione. “Se si volesse fare una vera storia della movement direction, bisognerebbe stare un po’ attenti a non cadere nell’idea: ‘Se non sono nel programma, allora non c’era movement’.”

Tashkiran è una sostenitrice di una delle pioniere, Litz Pisk, autrice dell’influente libro del 1975 The Actor and His Body, che negli anni Venti è stata co-proprietaria di una scuola di “arti del movimento” a Vienna prima di diventare insegnante di movement – o “mimo”, come si chiamava allora – alla RADA di Londra nel 1936. In seguito ha insegnato movement all’Old Vic Theatre School e poi a Central, lavorando con il regista Michael Elliott e la sua compagnia dell’Old Vic, dove era movement director interna. La fioritura della movement direction dagli anni Cinquanta deve molto allo sviluppo di istituzioni più grandi come l’Old Vic, il National Theatre e la RSC, con i loro cast più numerosi e l’attenzione alla composizione visiva; un percorso poi portato avanti da movement director tra cui Sue Lefton, Jane Gibson e Struan Leslie. Con scuole come Central, Guildhall e la Manchester Metropolitan University che formano una nuova generazione di movement director, la disciplina oggi è “in piena fioritura”, dice Tashkiran. Per rispecchiare questa crescita, aggiunge, sono i professionisti stessi che devono agire. “Stiamo facendo progressi su questo fronte, ma dobbiamo anche farci avanti.”

English Touring Theatre - Equus. Foto: The Other Richard Il lavoro di Maxwell è stato ben riconosciuto nelle recensioni della produzione di Equus del Theatre Royal Stratford East e dell’English Touring Theatre, diretta da Ned Bennett, che ha debuttato al Theatre Royal Stratford East di Londra a febbraio prima di andare in tournée. L’incarnazione muscolare dei cavalli da parte degli attori e la performance estremamente fisica di Ethan Kai nel ruolo di Alan Strang hanno portato i critici, da The Times a BritishTheatre.com, a lodare sia il movement sia la movement director. Oltre al fatto che Maxwell è stata proposta per interviste ai media, non ha certo guastato che l’unico articolo nel programma di sala dello spettacolo fosse una Q&A di due pagine sulla sua carriera. “È utile se i teatri includono i movement director negli elenchi creativi, anche quando il movement director è stato chiamato solo come consulente,” dice Maxwell. “In questo modo il pubblico generale e i giornalisti sanno che alla produzione è legato un movement director. Questo aiuta a facilitare una maggiore esposizione e offre anche la possibilità che vengano citati nelle recensioni insieme agli altri colleghi creativi. Anche se, in sostanza, non facciamo teatro per lo sfarzo, il glamour e la gloria, è bello quando tutti i fattori che contribuiscono alla sua creazione vengono riconosciuti e valorizzati.”

Dopo aver iniziato come performer nella danza e nel teatro musicale, Maxwell si è concentrata sulla movement direction negli ultimi tre anni e sta lavorando a due ulteriori produzioni del National Theatre, Hansard, in scena da agosto, e “Master Harold”…and the Boys e Hansard, da settembre. “Negli anni ho assistito a un cambiamento evidente, sulla carta stampata, nell’inclusione e nella menzione del lavoro dei movement director,” dice. “Anche se non è ancora una prassi del tutto comune, è un passo nella direzione giusta, vista l’ampiezza del lavoro che molti movement director svolgono nelle produzioni.” Nota che l’actor-movement è stato portato sotto i riflettori dal film pluripremiato Bohemian Rhapsody. “Qui l’attore Rami Malek e la movement director Polly Bennett hanno entrambi ricevuto riconoscimenti per lo straordinario lavoro nel rendere la fisicità di Freddie Mercury. Penso che dare credito agli attori per le loro interpretazioni e, allo stesso tempo, riconoscere momenti di grande maestria fisica da parte loro sia utile per puntare i riflettori su tutti gli aspetti che contribuiscono a una performance.”

Tashkiran ritiene inoltre che scrivere le note di sala abbia avuto un impatto positivo sui giornalisti, dopo aver visto le sue parole influenzare la copertura in recensioni come quella dell’As You Like It della RSC, su cui ha lavorato con Maria Aberg nel 2013. “Rendo il processo visibile per loro e gli do una forma e un linguaggio, e spesso quel linguaggio mi torna indietro nelle recensioni.” Altre piattaforme come video, podcast e blog offrono ai movement director l’occasione di parlare del proprio lavoro a un pubblico più ampio, suggerisce Tashkiran, citando l’uso da parte della RSC di brevi film online. “Incoraggio tutti i miei diplomati a cercare di partecipare alle foto di prova, ai blog, a scrivere note di sala, a fare quel lavoro di interfaccia – che è davvero difficile per i movement director, perché spesso sono pagati con compensi piuttosto modesti e corrono da un ingaggio all’altro.”

Royal Shakespeare Company's The Provoked Wife. Foto: Pete Le May

Oltre a scrivere un nuovo libro sulla movement direction, in uscita prossimamente, Tashkiran ha lavorato a The Provoked Wife con il regista Phillip Breen, in scena allo Swan Theatre della RSC a Stratford-upon-Avon fino a settembre – elogiato dalla critica Libby Purves per la sua “splendida movement direction”. Tashkiran è artista associata della RSC dal 2017, ma fa notare di essere solo la terza movement director a ricevere questo titolo nella storia della RSC, dove per il resto si tratta per lo più di attori, registi e autori. “L’enfasi sui loro associati è stata decisamente sugli aspetti che lasciano tracce, tracce scritte,” suggerisce. Mentre i movement director cercano che il loro lavoro sia più visto e riconosciuto, aggiunge che, senza lasciare tracce, il movement può apparire particolarmente effimero. “Passa da corpo a corpo e spesso occupa gli spazi intermedi, anche nel processo di prova, quindi il mezzo della movement direction deve lavorare più duramente per lasciare un’impronta nella mente di chi è al di fuori del processo di prova.”